Zprávy

Philip Wilson Steer

Philip Wilson Steer


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Philip Wilson Steer, nejmladší ze tří dětí (jeden bratr, Henry, jedna sestra, Catherine) Philipa Steera (1810–1871) a jeho manželky Emmy Harrisonové (1816–1898), se narodil v Birkenheadu 28. prosince 1860. Jeho otec byl umělec, který maloval krajiny a portréty ve stylu Joshuy Reynoldse.

Steer byl vzdělaný Hereford Cathedral School. V roce 1878 se zapsal na Gloucester School of Art v roce 1881 a následující rok strávil na kreslířských školách katedry vědy a umění v South Kensington.

V roce 1882 Steer poté strávil čas na Académie Julian, kde se seznámil s Frederickem Brownem. Podle jeho životopisce Ysanne Holt: „V Paříži zůstal bezpečně v kruhu anglických a amerických studentů a do značné míry nevěděl o novějším vývoji francouzského umění. Po zavedení zkoušky z francouzského jazyka na école se vrátil do Anglie příští rok v létě." Steer získal studio na Manresa Road v Chelsea a léto strávil ve Walberswicku v Suffolku.

Steer byl jedním ze zakladatelů New English Art Club v roce 1886, skupina britských umělců, kteří cítili, že jejich práce byla Královskou akademií opomíjena. Jeho přítel Frederick Brown vypracoval ústavu, seděl ve všech výborech a porotách a povzbuzoval své studenty Slade, aby tam vystavovali. Kolem 50. let se zúčastnilo zahajovací výstavy v Marlborough Gallery v dubnu 1886. Mezi rané vystavovatele patřili George Clausen, John Singer Sargent, Colin Gill, Walter Sickert a James Whistler. Steer vystavoval Dívky běží, Walberswick (1886) Letní večer (1887) a Klouby (1889).

V roce 1892 vystřídal Frederick Brown Alphonse Legros jako profesor výtvarné školy Slade Art School. Podle Anne Pimlott Bakerové: „Pokračoval ve výuce a liberálním výhledu Poyntera a Legrosa (Brown) vybudoval školu kresby a pokusil se rozvíjet individualitu svých žáků a zároveň je povzbuzovat ke studiu formy pomocí analytických nástrojů. místo aby se napodobil přístup k kresbě, vrátil se k metodám mistrů, jako je Ingres. Přilákal silný učitelský sbor a stanovil zásadu, že všichni učitelé by měli být praktikujícími umělci. “ Brown naverboval Steera do štábu.

Mezi studenty, kteří studovali pod Brownem, patří Augustus John, Gwen John, William Orpen, Paul Nash, Wyndham Lewis, Dora Carrington, Edith Craig, Dorothy Brett, Mark Gertler, Christopher Nevinson, Stanley Spencer, John S. Currie, Maxwell Gordon Lightfoot, Edward Wadsworth , Adrian Allinson, Rudolph Ihlee, Spencer Gore, Jacob Epstein, David Bomberg, Michel Salaman, Edna Waugh, Herbert Barnard Everett, Albert Rothenstein, Ambrose McEvoy, Ursula Tyrwhitt, Ida Nettleship a Gwen Salmond.

Během první světové války zřídila vláda Úřad válečné propagandy. Počátkem roku 1918 vláda rozhodla, že odpovědnost za propagandu by měla převzít vyšší vládní osobnost. 4. března Lord Beaverbrook, majitel Denní expres, byl jmenován ministrem informací. Pod ním byli Charles Masterman (ředitel publikací) a John Buchan (ředitel zpravodajských služeb). Lord Northcliffe, majitel obou Časy a Denní pošta, dostal na starost veškerou propagandu namířenou proti nepřátelským zemím. Robert Donald, redaktor časopisu Denní kronika, byl jmenován ředitelem propagandy v neutrálních zemích. Při oznámení v únoru 1918 byl David Lloyd George v Dolní sněmovně obviněn z používání tohoto nového systému získávání kontroly nad všemi vedoucími osobnostmi Fleet Street.

Beaverbrook se rozhodl rychle rozšířit počet umělců ve Francii. Založil s Arnoldem Bennettem britský válečný pamětní výbor (BWMC). Umělec vybraný pro tento program dostal jiné pokyny než ti, kteří byli posláni dříve. Beaverbrook jim řekl, že obrázky „již nejsou primárně považovány za příspěvek k propagandě, nyní je lze považovat především za záznam“.

Mezi umělce vyslané do zahraničí v rámci programu BWMC patřili Steer, John Singer Sargent, Augustus John, John Nash, Henry Lamb, Henry Tonks, Austin Osman Spare, Eric Kennington, William Orpen, Paul Nash, CRW Nevinson, Colin Gill, William Roberts, Wyndham Lewis , Stanley Spencer, Philip Wilson Steer, George Clausen, Bernard Meninsky, Charles Pears, Sydney Carline, David Bomberg, Gilbert Ledward a Charles Jagger. Jeho nejoblíbenější obraz pro BWMC byl Zametací stroje v Doveru (1918).

Steerův životopisec Ysanne Holt zdůraznil: „Ve 20. letech 20. století Steer stále více experimentoval s akvarelem, technikou, která mu poskytla cestu z těžkého impasta charakteristického pro jeho oleje. Tyto akvarely, impresionistické v nejpřísnějším slova smyslu, částečně odráží pozdější Turnerova díla, ale také signalizuje návrat k Monetovi a k ​​whistlerovskému přístupu - manipulace je mírná, tvary a objekty jsou navrženy a všechny zbytečné detaily odstraněny. Pro samotného malíře byly procesy akvarelu fascinací a nejlepší příklady považoval pouze za motouly, které se buď uvolnily, nebo ne. "

V roce 1930 Steer a jeho skvělý přítel Henry Tonks odešli do důchodu ze Slade Art School. Pokračoval v malování krajin a vodních scenérií až do roku 1938, kdy se jeho zrak příliš zhoršil, aby mohl pokračovat. Komentoval to tím, že „namaloval dost a mnoho lidí namalovalo příliš mnoho obrazů“.

Philip Wilson Steer zemřel ve svém domě na bronchitidu 21. března 1942.


Za francouzskými impresionisty: 16 Británie, Turner, Steer

Philip Wilson Steer, Léto v Cowes (1888), olej na plátně, 50,9 x 61,2 cm, Manchester Art Gallery. WikiArt.

Ve srovnání s většinou ostatních evropských zemí impresionismus do značné míry prošel britskými malíři.

To je překvapivé vzhledem k popularitě a vlivu Johna Constable a JWM Turnera dříve v devatenáctém století a přítomnosti dvou amerických malířů velkého významu a popularity v Londýně: John Singer Sargent (v Londýně 1886-1925) a James Abbott McNeill Whistler (v Londýně 1859-92). V Británii však v polovině devatenáctého století dominovali malíři Prerafaelského bratrstva a hnutí Arts and Crafts Williama Morrise poté dostalo do popředí dekorativní umění.

Zde však musím zvážit dvě důležitá témata:

  • vliv, který Turner jako ‘ pre-impresionista ’ mohl mít na francouzské impresionisty,
  • těch pár britských malířů, kteří na konci devatenáctého století odešli do Francie a vytvořili malé britské impresionistické hnutí.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851)

Turner se narodil v Londýně v roce 1775 a od 14 let byl vzděláván na školách Královské akademie a těšil se počátečnímu kritickému úspěchu. Od roku 1802 cestoval po Evropě a za pochodu maloval pohledy. V pozdějších letech se jeho práce stala stále radikálnější a jeho kritici hlasitější. Zemřel v roce 1851.

Podrobnější životopisné detaily jsou uvedeny v mém předchozím článku ze série Oblíbené obrazy.

Joseph Mallord William Turner, Campo Santo, Benátky (1842), olej na plátně, 62,2 x 92,7 cm, Toledo Museum of Art, Toledo. WikiArt.

Ve srovnání s impresionistickým stylem mají Turnerovy pozdní malby určité podobnosti – jejich zaměření na světlo a barvu a zachycení dojmu –, ale některé důležité rozdíly, zejména v tom, že jeho malířský rukopis zůstal při natírání detailů velmi těsný. Ty jsou dobře ilustrovány na malbě Benátek výše, dokončené v posledním desetiletí jeho života.

Constable a Turner mohli být důležití ve vlivu na vliv francouzských impresionistů, zejména Clauda Moneta, který uprchl do Londýna během francouzsko-pruské války v roce 1870. Důkazem Monetovy práce však je, že jeho vyzrálý impresionistický styl již vyvinul do roku 1870. Níže jsou pro srovnání uvedeny jeho a Renoirovy slavné obrazy z la Grenouillère v roce 1869 (Renoir samozřejmě zůstal ve Francii po celou dobu války).

Claude Monet, Koupající se v La Grenouillère (1869), olej na plátně, 73 x 92 cm, Národní galerie, Londýn. WikiArt. Pierre-Auguste Renoir, Grenouillère (1869), olej na plátně, 66,5 x 81 cm, Nationalmuseum, Stockholm. WikiArt.

Takže zatímco zejména Turner mohl ovlivnit Moneta, Pissarra a Daubignyho, nemyslím si, že důkazy podporují Turnerovu práci, která by měla významnou roli ve vývoji francouzských impresionistů.

Philip Wilson Steer (1860-1942)

Narodil se v roce 1860 v Birkenheadu v Liverpoolu jako syn malíře krajiny a portrétu s malým rozlišením a studoval na Gloucester College of Art v letech 1878-80 a krátce na kreslířských školách South Kensington až do roku 1881. Poté, co nebyl přijat na školy Královské akademie, odešel do Paříže na Académie Julian, kde nejprve studoval pod Bouguereauem. Poté se přestěhoval do École des Beaux Arts jako žák Cabanel.

V roce 1884 se vrátil do Londýna a namaloval plážové a pobřežní scény na Cowes (Isle of Wight), Walberswick (Suffolk) a Étaples (Calais, Severní Francie) záměrným pokusem o impresionistický styl. V roce 1880 se zúčastnil různých výstav francouzských impresionistických obrazů a v roce 1888 byl vedoucím impresionistou ve Velké Británii. V roce 1886 pomohl založit Společnost anglo-francouzských malířů, která se stala New English Art Club.

Philip Wilson Steer, pádlování dětí, Étaples (1887), olej na plátně, 36,8 x 54,6 cm, soukromá sbírka. WikiArt. Philip Wilson Steer, Portrét slečny Rose Pettigrewové (1887), olej na desce, 21 x 27 cm, poloha není známa. WikiArt.

V roce 1888 byli Steer spolu s Batesem, Sidney Starrem, Walterem Sickertem a Theodorem Rousselem předními impresionistickými modernisty v britském umění. Následující rok Steer, Paul Maitland, Thomson a James vytvořili odtrženou skupinu londýnských impresionistů, která na konci toho roku vystavovala v Galerii Goupil.

Philip Wilson Steer, Léto v Cowes (1888), olej na plátně, 50,9 x 61,2 cm, Manchester Art Gallery. WikiArt. Philip Wilson Steer, The Beach at Walberswick (c 1889), oil on wood, 60,3 x 76,1 cm, The Tate Gallery, London. WikiArt.

Na výstavě předvedl pět děl Les XX v Bruselu v roce 1889, z nichž některé zahrnovaly oblasti využívající techniku ​​Divisionist jasných barevných teček, ale žádná nebyla plně Divisionist. Od roku 1893, zatímco jeho díla zůstala do značné míry neprodaná, začal učit malbu na Slade School of Fine Art v Londýně vedle Henryho Tonksa a navštěvovat místa proslavená Turnerovou prací a malovat tam. Jeho dominantní vlivy byly Turner a Constable.

Philip Wilson Steer, Hydrangeas (1901), olej na plátně, 85,4 x 112,4 cm, The Fitzwilliam Museum, Cambridge. WikiArt.

Od roku 1896 podnikl více portrétů, ve kterých byl evidentně ovlivněn rokokem. Poté se po roce 1902 soustředil na akvarel a vrátil se do krajiny. V roce 1929 měl velkou retrospektivu v Tate Gallery v Londýně. Zemřel v roce 1942 a následující rok byla připomínána výstavou v The National Gallery v Londýně.

Ačkoli jsou dnes Steerovy malby do značné míry zapomenuty, dřívější obrazy Steera byly silně ovlivněny impresionisty a občas se dokonce pustily do výbuchů divizionismu. Jeho styl se však opakovaně měnil a ani on, ani jiní britští malíři té doby nevykazovali trvalejší rozvoj impresionistického stylu.

Ostatní, včetně Sidney Starra a Paula Maitlanda, jsou nyní do značné míry nejasní a dokonce i Walter Sickert je nyní znám spíše svými drsnými akty než dřívějšími experimenty s impresionismem.

JMW Turner:
Databáze Tate Turnera s více než 40 000 katalogizovanými položkami
Wikipedie
WikiArt

Blayney Brown D, Concannon A a Smiles S eds (2014) Výstava EY: Late Turner – Painting Set zdarma, Tate Publishing. ISBN 978 1 84976 145 1. (Obsáhlé, ale přístupné účty a vynikající velkoformátové ilustrace mnoha jeho klíčových děl z výstavy.)

Výstava EY: Late Turner – Painting Set zdarma je v de Young, San Francisco, mezi 20. červnem a 20. zářím 2015. Bohužel postrádá mnoho lepších děl, které byly zahrnuty v představení Tate Britain, které skončilo 25. ledna 2015, ale stále si je nesmíme nechat ujít.

Pane Turnere (2014), životopisný film režírovaný Mikeem Leighem, Recenze filmu: Pan Turner (2014).

Munro J (1986) Philip Wilson STEER 1860-1942. Obrazy a akvarely, Arts Council of Great Britain. ISBN 0 7287 0484 6. (Malý katalog, který již dlouho nevyšel, se zdá být jedinou literaturou o něm, která je snadno dostupná na trhu s použitým zbožím. Omezené reprodukce barev.)
Robins AG (2007) Křehká modernismus. Whistler a jeho následovníci impresionismu, Yale UP. ISBN 978 0 300 13545 9. (Vynikající popis Whistlera, Sickerta a britského impresionistického hnutí s ilustracemi mnoha těžko dostupných děl.)


Philip Wilson Steer - historie

Akt už po staletí fascinuje umělce i diváky - i dnes je stále předmětem, který vyvolává debaty a kontroverze. Neoděné lidské tělo je jedním z největších předmětů umění. Objevilo se téměř v každém větším uměleckém hnutí od kubismu přes abstraktní expresionismus až po politické umění novější doby. Proč nás akt stále fascinuje? To je otázka, kterou položila nová výstava Nude v Art Gallery of New South Wales v Sydney, která byla otevřena začátkem tohoto měsíce. Sdružuje 100 portrétů aktu z Tateovy sbírky, včetně obrazů, soch, fotografií a tisků od konce 17. století do současnosti.

William Strang, Pokušení (1899)

(Kredit: Tate/Art Gallery of New South Wales)

"Akt nás fascinuje z velmi jednoduchého a docela hlubokého důvodu, a tím je, že je o nás umění." Všichni máme tělo, všichni jsme fascinovaná těla a těla v neoblečeném stavu, “říká pro BBC Culture kurátor Justin Paton. "Výstava je cestou přes mnoho různých lidských pocitů a emočních stavů, a to je pro mě to, co je na aktu jako subjektu nejpřesvědčivější."

Práce Williama Stranga z konce 19. století The Temptation nás vrací zpět k jednomu z klíčových příběhů o nahotě v západní kultuře-příběhu z Knihy Genesis, ve kterém si Adam a Eva uvědomili svá neoblečená těla. "Z toho pochází moderní akt a naše úzkosti a naše vzrušení z toho, co se skrývá pod oblečením, což jsou dva klíčové impulsy, které poháněly akt v celé jeho historii," vysvětluje Paton.

Sir John Everett Millais, The Knight Errant (1870)

(Kredit: Tate/Art Gallery of New South Wales)

Když pomyslíme na akt, mnozí z nás si možná v mysli vybaví klasický obraz hrdinských, tvarovaných těl, která dominovala umění 19. století, ale jak Paton zdůrazňuje, „akt je ve skutečnosti stále se měnící a nekonečně sporná forma “. Současná zobrazení nahého těla se v mnoha ohledech výrazně liší od viktoriánských děl, ale existují také silné podobnosti.

"Debaty o poctivosti a idealizaci z viktoriánského období doznívají až do naší doby, která se podle mě dost nápadně podobá viktoriánskému období, zvláště když se podíváte na to, jak se v kultuře obecně diskutuje o nahotě a tělesných problémech," " on říká. "I dnes existuje tento úžasný mix opatrnosti a shovívavosti." Jsme tak zvyklí, že vidíme miliony obrazů nahé lidské podoby, ale zároveň se jedno nahé umělecké dílo v galerii může občas ukázat jako mimořádně kontroverzní. “ Teprve nedávno byl v Austrálii svým vydavatelem donucen umělecký časopis, aby zakryl bradavky na ženském aktu, který si vybral jako obálku.

Potulný rytíř je příkladem toho, co vědci označují jako „anglický akt“, což na konci 19. století vyvolalo kontroverze, protože náměty těchto děl byly považovány za příliš živé. "Zradilo to její původ, kdy malíř zjevně stál před skutečným, živým ženským tělem, a dostatečně tuto skutečnost neskrýval."

Philip Wilson Steer, Sedící akt: Černý klobouk (c1900)

(Kredit: Tate/Art Gallery of New South Wales)

Může být akt opravdu příliš živý? Akty klasických postav, jako je Psyche a Venuše, lze ocenit čistě jako umění, aniž byste museli brát v úvahu živého, dýchajícího člověka, který seděl před umělcem. Toto nepohodlí s rozpoznatelnými, světskými lidmi jako předmětem aktů portrétů bylo zdůrazněno až ve 20. století, kdy akt vstoupil do domácího prostoru, v ložnicích nebo interiérech ateliéru se objevovaly obrazy těl. Portrét Philipa Wilsona Steera z přelomu století je dokonalým příkladem toho, jak jeden malý detail může z díla udělat kontroverzní. Když John Rothenstein v roce 1941 navštívil Steera a vybral si obraz do Tateovy sbírky, Steer ho informoval, že se rozhodl během svého života obraz nevystavovat, protože jeho přátelé to považovali za neslušné. "Důvod, proč se tak cítili, nebyl ten, protože ta žena byla nahá, ale protože byla nahá a měla klobouk," říká Paton. "Bylo to považováno za způsob, jak nějakým způsobem zvýraznit nahotu způsobem, který nebyl zcela zdánlivý." Jednoduchý klobouk, který viděl mnoho žen té doby, stačil k vytlačení obrazu ze světa ideálu a do říše erotiky.

Auguste Rodin, Polibek (1901-04)

(Kredit: Tate/Art Gallery of New South Wales)

Je to jeden z nejslavnějších obrazů romantické lásky a je to hvězdná atrakce výstavy v Sydney - poprvé cestoval mimo Evropu. "Polibek je velmi soukromý a intimní okamžik mezi dvěma lidmi a na Rodinově práci je geniální to, jak často nám polibek ve skutečnosti skrývají končetiny nebo torza těchto postav," říká Paton. Rodin demonstruje intenzivní fyzické a emocionální spojení mezi těmito dvěma nahými milenci několika způsoby: vlnícími se svaly na zádech, způsobem, jakým se jejich nohy pohybují přes sebe a rukama. Patonovy ruce si myslí, že si nejvíce zaslouží pozornost. "Jejich ruce se vzhledem k rozsahu jejich těl cítí velké." Když jsme zamilovaní a když toho člověka přijmeme, náš pocit dotyku se zvýší, “vysvětluje. "Rodin tyto pocity teleskopuje tím, že naši pozornost přitahuje k rukám těchto postav."

Pablo Picasso, nahá žena v červeném křesle (1932)

(Kredit: Succession Picasso/Tate/Art Gallery of New South Wales)

Síla objetí mezi dvěma milenci je také těžištěm Picassovy nahé ženy v červeném křesle (Femme nue dans un fauteuil rouge) z roku 1932 - i když to netrénovanému oku nemusí být hned zřejmé. Zatímco se zpočátku zdá, že obraz je osamělé ženy, Marie-Thérèse Walterové, jedné z mnoha umělcových múz, při bližším pohledu si uvědomíte, že toto dílo obývají dva lidé. "V její tváři je stín mužské tváře, která jako by tlačila na polibek zprava," argumentuje Paton. "Paže na pravé straně postavy se podivně zdá, že se odpoutává od trupu ženy a připojuje se k opěradlu židle, která začíná číst jako trup mužské postavy, která ji objímá." Vidí to jako ilustraci toho, jaký je to pocit, být někým zcela pohlcen, až do té míry, že je nemožné rozlišit, kde jeden člověk začíná a druhý končí. "Je to úžasné vyjádření toho, jaké to je být hluboce zamilovaný, do té míry, že jsi v okamžiku objetí splynutý."

Sylvia Sleigh, Paul Rosano Ležící (1974)

(Kredit: Tate/Art Gallery of New South Wales)

S příchodem feminismu se umělkyně obrátily v tradicích v pozdějších desetiletích 20. století a malovaly mužské náměty jako předmět ženského pohledu. Tento obraz přišel ve stejném roce, kdy australský časopis Cleo zahrnoval svůj vůbec první mužský centerfold, a je představitelem většího posunu v aktu obecněji. "Sylvia Sleighová přímo tvrdila, že chce namalovat sexy muže, aby se na ně ženy dívaly, ale obraz nezdržuje," říká Panton. "Je to něžné a teplé, a to odráží skutečnost, že Sylvia toho muže znala": hudebník Paul Rosano, který pózoval pro Sleigh při více než jedné příležitosti. "Její náklonnost k němu a její potěšení z toho, jak vypadá, je patrná zejména na tělesných vlasech, které vykreslují mrtvici za tahem," dodává.

Partyzánské dívky, musí být ženy nahé, aby se dostaly do Met muzea? (1989)

(Kredit: Guerrilla Girls/Art Gallery of New South Wales)

Příchod ženského uměleckého hnutí s sebou přinesl i protestní akt. Tito noví umělci se na akt podívali novými očima a zpochybňovali vše, co předtím přišlo. Tato protestní skladba od Guerrilla Girls - která bere jeden z nejslavnějších aktů v dějinách umění a proměňuje ji ve feministickou maskovanou mstitelku - pochází ze stěžejního okamžiku v historii aktu a volá po nedostatku umělkyň v New Yorku Městské metropolitní muzeum umění ve srovnání s bohatstvím vystavené ženské nahoty. Je to obraz, který si užil mnoho životů od chvíle, kdy se poprvé objevil na straně městského autobusu - kde nepřekvapivě vytvářel vlny. "Obraz byl brzy odstraněn z autobusu a pronájem, který si na něj partyzánské dívky vzaly, byl ukončen, protože byl považován za příliš provokativní," říká Paton.

Bylo to rozhodnutí, které současně rozzuřilo i uspokojovalo. Většina stížností se nesoustředila na neoblečené ženské tělo, ale na růžový vějíř držený postavou, který Guerrilla Girls upravila tak, že se stal nezaměnitelně falickým. Ukázalo se, že skupina si dala za cíl: veřejnosti je příjemné vystavovat ženská těla, ale totéž neplatí pro mužskou formu. "Je to pravděpodobně nejvlivnější akt vytvořený v posledních desetiletích," říká Paton.

Lucian Freud, Stojící u hadrů (1988-1989)

(Kredit: Estate of Lucian Freud/Tate/Art Gallery of New South Wales)

"Freud je jedním z největších malířů aktu v posledních letech a myslím, že je důležité, že je také jedním z nejlepších malířů nahých," říká Paton. Je opravdu rozdíl mezi nahými a nahými? Podle historika umění Kennetha Clarka existuje. Řekl, že zatímco akt je idealizované tělo, které vypadá, že vypadá pohodlně bez oděvu, nahé je tělo, které bylo odhaleno a zbaveno oblečení. Na výstavě jsou ukázky obou, ale Paton věří, že Freudova práce leží pevně v nahém táboře. "Řadu svých obrazů nazval nahými portréty a existuje pocit, že nám dává vědět, že obraz vypovídá o surové pravdě o tom, jaké to je být člověkem a mít tělo," říká.

Freud vždy trval na tom, aby měl před sebou živého modelu, a zkušenost sezení pro něj je jasně ukázána ve filmu Standing by the Rags, což je úžasný příklad jeho pozdního stylu. "Můžete získat mimořádný pocit z výzev být jedním z Freudových témat, protože model je postaven způsobem, který naznačuje stav spánku a opuštění, ale také akutní fyzický tlak," vysvětluje. To je zvláště patrné u nadměrných rozměrů jejích chodidel a dolních končetin, které podle všeho podporují její váhu. I když tato práce je jistě příkladem nahých, evokuje také akty minulosti. "Způsob, jakým má vytaženou paži, mi připomíná některé docela propracované pózy, které akty zaujímaly v 19. století, kde by mohly být obsazeny do role slavného hrdiny," říká Paton. "Freudova hrdina je hodně z našeho světa, ale stále má ozvěnu těchto starších umělců."

Louise Bourgeois, pár (2009)

(Kredit: Nadace Easton/Tate/Galerie umění Nového Jižního Walesu)

Kritička Lucy Lippard kdysi napsala, že Louise Bourgeois zobrazuje těla zevnitř. "Bez ohledu na to, jaký materiál používá, její práce vždy přináší pocit pod kůží," dodává Paton. "Přináší domů, jaké jsme zranitelné a křehké bytosti, a zároveň přináší úžasnou vitalitu a sílu lidského zvířete." Tato práce v kvaši a tužce na papíře redukuje lidské tělo na jeho nejjednodušší formu, přičemž modré záblesky kladou důraz na reprodukční orgány. Podle Patona tenký, zalévaný vzhled růžové barvy také evokuje „těkavé tekutiny života ... Svědčí to o živé krvi, mateřském mléce a dokonce i plodové vodě,“ říká. Ve hře Couple, jako bychom se dívali skrz kůži do nitra příběhu o tom, co tělu prospívá a přežívá - o nic víc se nenudíte.

Ron Mueck, Divoký muž (2005)

(Zápočet: Tate/NPG Scotalnd/Marcus Leith/Galerie umění Nového Jižního Walesu)

Čím živější akt je, tím kontroverznější se zdá být. Nedávná díla Rona Muecka jsou děsivě realistická a často zanechávají v pozorovateli nepohodlí, aniž by dokázali formulovat proč. "Jedním z důsledků toho, že je socha tak živá, je, že lidé slyšitelně vyjeknou, když ji poprvé uvidí," říká Paton. "Není to bůh ani válečník - nemá žádné literární alibi, za které by se mohl schovat." Je to jen muž ve stavu úplné expozice. “ Divoký muž slouží pouze k demonstraci toho, jak jsme stále v nepohodě s nahou formou, zvláště když se nemůžeme oddělit od předmětu na výstavě. "Nakonec je to socha o tom, jaké to je, když se na vás dívá," navrhuje kurátor.

Umělci, kteří dnes pracují s aktem, nám rádi připomínají, že pohled na těla je vždy nabitý a velmi osobní akt. V mnoha ohledech je naše společnost znecitlivěna na nahá těla. Vidíme je všude, ale často se skrývají za něčím - postavou, kterou hrají, parfémem, který prodávají, nebo příčinou, kterou obhajují odhalením. Ale v díle, jako je Mueckovo, není co skrývat. Je to lidská bytost v té nejnebezpečnější podobě a že je to něco, na co se možná nikdy nezvykneme dívat. Jak Paton správně zdůrazňuje: „Akt není žádná věc - je to spíše otázka než odpověď a tato otázka se odráží v naší době.“

Pokud byste chtěli komentovat tento příběh nebo cokoli jiného, ​​co jste viděli na BBC Culture, přejděte na náš Facebook stránku nebo nám napište na Cvrlikání.


Historická malba

Pojem historická malba byl zaveden v sedmnáctém století k popisu obrazů s náměty čerpanými z klasické historie a mytologie a Bible a ndash v osmnáctém století se také používala k označení novějších historických předmětů.

Termín & lsquohistory painting & rsquo zavedla Francouzská královská akademie v sedmnáctém století. To bylo viděno jako nejdůležitější typ (nebo & lsquogenre & rsquo), malby nad portrétem, zobrazení scén z každodenního života (nazývaného žánrová malba), krajiny a zátiší. (Žánry a další informace najdete na stránce glosáře).

Ačkoli zpočátku sloužil k popisu obrazů s náměty čerpanými ze starověké řecké a římské (klasické) historie, klasická mytologie a Bible ke konci 18. století dějiny malby zahrnovaly moderní historická témata, jako jsou bitevní scény namalované umělci Benjaminem Westem a Johnem Singleton Copley.

Styl, který byl považován za vhodný k použití pro historickou malbu, byl klasický a idealizovaný & ndash známý jako & lsquograndův styl & rsquo & ndash a výsledek byl celkově znám jako High Art.

Role Impéria v malbě historie

V první polovině devatenáctého století byla malba jedním z mála způsobů, jak mohla britská veřejnost zažít své zámořské impérium. V této souvislosti se historická malba stala formou dokumentace. Umělci jako Benjamin West a Henry Nelson O & rsquoNeil se začali více zajímat o malířské scény nedávné a současné historie, zobrazující spíše lidi v moderním oděvu než & lsquotimeless oblečení & rsquo, jak je vidět v tradiční historické malbě.

V padesátých letech 19. století došlo k posunu zájmu směrem k lidštějšímu a intimnějšímu tématu, nikoli k podání malebných literárních nebo velkých historických témat. Bitevní scény z vojenského podžánru dějinného malířství byly kritizovány, protože se na ně nedalo spoléhat, že jsou přesné, a na Královské akademii bylo vystaveno několik obrazů bitevních scén. Philip Wilson Steer & rsquos A co válka? byl zde však vystaven, což naznačuje, že soukromé reakce civilistů byly možná poctivějším svědectvím o ztrátách na životech vyvolaných zámořským konfliktem (v tomto případě súdánskou válkou v roce 1881).

Úlohou historické malby bylo ve dvacátém století ještě více klesnout a téměř úplně zmizet z uměleckých kruhů po rozpadu říše po druhé světové válce.

Obsahuje tento text nepřesné informace nebo jazyk, o kterém si myslíte, že bychom ho měli zlepšit nebo změnit? Rádi bychom od vás slyšeli.


Philip Wilson Steer

Otec Philipa Wilsona Steerse byl malíř. Ale byla to hospodyně Margaret Jonesová, zvaná „Jane“, později paní Raynesová, která dala Philipovi jako dárek krabici akvarelů, čímž zapálil jeho vášeň pro umění.

V roce 1922 postavil Philip Wilson Steer malebný pomník své kreslířce, když vystavoval její portrét na Královské akademii. Kdysi mladé Velšance, která v době umělcova narození vstoupila do služby rodiny Steerových jako dětská sestra, později se vdala, rychle ovdověla a poté se vrátila ke Steerovým službám jako kuchařka, je v tuto chvíli 83 let. Dnes je portrét staré dámy v černém s bílou krajkovou kapucí, těžkými, odpočívajícími rukama oteklými z práce a jejím přímým, otevřeným pohledem držen v londýnské galerii Tate pod názvem paní Raynesová.

Narozen 1860 v Birkenheadu, Steer asi od 18 let studoval kresbu a malbu u Johna Kempa na Gloucester School of Art. Akademie ho odmítla, takže místo toho odešel již v roce 1882 do Paříže, kde nejprve studoval na Akademii Juliana a později, od roku 1883, na École des Beaux Arts pod Cabanelem. Steerovou první vystavenou prací byl portrét pana Bicka, švagra Johna Kempa. Obraz byl pravděpodobně namalován v Gloucesteru v roce 1881. Vidíme čtenáře novin s bílými vousy, který jako by listoval nadpisem článku, aby držel krok se současnými událostmi: Co válka? Válka, na kterou odkazuje název Steerova obrazu, musela být súdánská válka, která začala v roce 1881 po povstání Mahdiho a trvala deset let, dokud se do konfliktu stále více nezapojovala i Velká Británie a od roku 1896 podnikla vojenskou akci. proti Mahdistům. V první polovině 19. století byl tento typ malby historie jedním z mála způsobů, jak mohla britská veřejnost zažít své zámořské impérium. V této souvislosti byla historická malba Philipa Wilsona Steerse také formou dokumentace.

V roce 1927 Steer ztratil zrak na jedno oko, ale pokračoval v malování, většinou akvarely a už ne v oleji. Jeho skladby se tak staly lehčí, téměř abstraktní. Je to Angličan, který si zaslouží uznání za spojení stylu francouzského impresionismu s tradicí malby Wilsona, Gainsborougha, Turnera nebo Constable. The first impulse for this came from his stays in Paris, where Steer had the opportunity to see exhibitions of Monet, Pissarro and Renoir during the years 1882 to 1883.

Steer never married. Apart from a few hours spent on a daily walk, a game of chess or talking to friends, he painted incessantly. He read little and detested writing. He was a keen observer and critic, but always modest and full of sympathy for the efforts of other artists. From 1940 he had to give up painting altogether. He died in London on March 18, 1942. © Meisterdrucke


Administrativní / biografická historie

Born in Birkenhead, 1860 moved to Whitchurch near Ross-on-Wye, 1864 educated at home by a governess preparatory school at Whitchurch, 1871-1875 Hereford Cathedral School, 1875-1877 Gloucester School of Art Acadmie Julian in Paris, 1882 Ecole des Beaux-Arts, 1883 pictures hung at the Royal Academy, 1883-1885 returned to England and worked on a series of paintings beginning at Walberswick, Suffolk supporter and constant exhibitor at the New English Art Club taught at the Slade School of Fine Art [1895]-1930 began to work increasingly with water-colours from about 1900 honorary member of the Liverpool Academy of Arts, 1906 Order of Merit, 1931 died in Chelsea, 1931 his work is found, amongst others, in the British Museum, the Tate Gallery, the Uffizi Gallery, Florence, the Metropolitan Museum, New York, the Municipal Gallery of Modern Art, Dublin, the Welsh National Museum, Cardiff.


Phillip Wilson Steer

The influential English painter and critic, Roger Fry (1866–1934), called Philip Wilson Steer one of the “most gifted and purest of English artists.” Born in Birkenhead, England, in 1860, Steer’s early interest in painting was encouraged by his father, the English portrait painter Philip Steer. After being rejected by the Royal Academy in 1882, Steer traveled to Paris to study at the Académie Julian under William-Adolphe Bouguereau and at the École des Beaux-Arts under Alexandre Cabanel. Upon failing a French language exam, he returned to England in 1884, set up a studio in London, and took the first of what would become regular summer painting trips. His early work, such as Girl at a Well, was done in the tradition of “rustic naturalism,” a painting style that depicted the daily life of the rural poor as its subject matter. Before long, though, Steer began making luminous paintings of Walberswick on the Suffolk coast that showed the influence of Édouard Manet, James McNeill Whister, and the French Impressionists.

These paintings earned him recognition as one of Britain’s leading Impressionists, though critics wrote excoriating reviews of the work, and few of the pieces sold. Steer considered abandoning painting altogether. Instead, around 1895, he began making radically different paintings in a more traditional English style. His landscapes and figures from this period both showcase his remarkable skill and harken back to the style of an earlier era, especially next to his Impressionist works, employing as they do conventions used by painters such as John Constable and Antoine Watteau.

Around 1927, when Steer was 67, he experienced the first symptoms of macular degeneration when, as his biographer Ysanne Holt describes, “vision from the center of his left eye was obscured and objects could only be made out from one side.” He had used both watercolors and oils for most of his career, but, upon the decline of his vision, began using watercolors almost exclusively to create landscape paintings that, though radically different from his luminous early works, rival them in mysteriously capturing some ephemeral sense of the elemental. Around 1935, after years of gradual decline, his right eye also succumbed. He continued to paint seascapes using watercolor until 1938. Time has singled out these last paintings, as well as the early paintings he did at Walberswick, as his best work.

Steer served as a painting tutor at the Slade School of Art from 1893 to 1930, where he influenced generations of young artists. He was the subject of the first retrospective of a living artist at the Tate Gallery in 1929, and was awarded the Order of Merit in 1931.


Philip Wilson Steer - History

The history of development in Birkenhead is very much that of a Victorian ‘new town’, developing hugely during the years of the 19th century. The oldest buildings in the town date back to 1150. They include Birkenhead Priory, a Benedictine monastery, which survived until 1536 when King Henry VIII began the closure of all monasteries throughout England and Wales. The Priory is now popular as sister site to the Williamson Art Gallery and Museum.

Once the monastery had closed the land was farmed by a series of Lords of the Manor, who also had the rights to operate the ferry. There was, however, no more than a sparse scattering of houses in Birkenhead. The growth of Liverpool to one of England’s major ports mostly took place during the 18th century. Once the first steam ferry ran across the Mersey in 1817, it became easier for Liverpool merchants to travel over the river to Liverpool’s centre than by road from the outskirts of the town. Thus the growth of Birkenhead began.

Birkenhead Flourishes

At first hotels and large houses developed, but the potential of Birkenhead as an industrial centre was seen by Scottish engineer William Laird who bought land and in 1824 opened a boiler works which later became a ship yard. Now the town grew rapidly, and it became a visionary and exciting place to be:

Arthur James Wetherall Burgess, “HMS ‘Birkenhead'”

“London is a modern Babylon Paris has aped imperial Rome, and may share its catastrophe. But what do the sages say to DAMASCUS?…it still exists and still flourishes is full of life, wealth and enjoyment. Here is a city that has quaffed the magical elixir and secured the philosopher’s stone, that is always young and always rich. As yet, the disciples of progress have not been able exactly to match this instance of Damascus, but it is said that they have great faith in the future of BIRKENHEAD.” (Tancred, Benjamin Disraeli)

In 1847 Birkenhead Park opened as the first purpose-built public park in the world in 1860, Birkenhead introduced the first public tramway in Europe. The docks expanded and, in partnership with Liverpool, traded across the globe. And Laird’s shipbuilders (later Cammell Laird) became one of the most important ship yards in the world, building for private, commercial and naval clients.

The Idea Emerges

It was in this atmosphere of enterprise that the intellectuals of the town felt a museum and art gallery was important for the prestige of Birkenhead. History was already being preserved: in the 1890’s the ruins of Birkenhead Priory were bought by public subscription, fully restored and presented to the Borough Council.

The first building for a museum and art gallery came available in 1909 with the opening of a new Public Library, funded by Andrew Carnegie, the Scottish philanthropist. With the old library now vacant, the Birkenhead Art Club, which had many rich and influential members – many of them town councillors – brought pressure to bear. The old library was converted in 1912, and a collection began to be formed. The Mayor of Birkenhead, A.W. Willmer, from the family that owned the town’s principal newspaper the Birkenhead News, devoted his £500 mayor’s salary to the purchase of paintings for the new art gallery and many of the ‘great and good’ gave items from their own collections.

Some significant paintings had already been presented to the town for exhibition in the magnificent Town Hall in Hamilton Square. These included T.S. Cooper’s huge vision of the Battle of Waterloo, painted in 1847, and the one-time Royal Academy president C.L. Eastlake’s Brutus exhorting the Romans to revenge the death of Lucretia, painted early in his career in 1813 and severely neo-classical. Both of these were given to the town by John Williamson, a Scottish-born Birkenhead resident who made his considerable wealth from shipping, insurance and trade with South America, and as a director of the Cunard shipping line.

The Williamson's Beginnings and Collection

Opened in 1928 the Williamson Art Gallery & Museum – named after its benefactors – is a single-storey, unobtrusive classical building, mainly in red brick with Corinthian columns and pilasters. It is not in the town centre, in a grand square or even a park, but is in the residential suburb of Oxton. This made it convenient for its intended middle-class audience and, in fact, places it geographically in Birkenhead’s centre.

Unassuming the building may be, but it offers a great deal of room in its 14 galleries. It was designed without windows to maximise display space (with discrete top lighting with blinds) and – almost unique for its date – a system of humidifying the galleries to protect the works of art. The building was intended primarily as an Art Gallery, with the hope that money would become available at a later date to extend and provide the Museum display space, which of course never happened.

The collection that was moved in to the new gallery had developed considerably since its inception. There was in Liverpool and around an important group of Pre-Raphaelite artists, heavily collected by local patrons who gave generously to both the Walker Art Gallery in Liverpool and the Williamson.

Philip Wilson Steer, ‘Self Portrait’, 1880

Birkenhead has never purchased a great many works by artists of real national or international significance, unless they have strong local connections, except in the field of watercolours. This was particularly influenced by Dr S.H. Nazeby Harrington, Deputy Chairman of the Libraries, Museum & Arts Committee of Birkenhead Borough Council, who collected and wrote about art himself. Particularly in the 1920’s and 1930’s a huge number of British watercolours was purchased, in an effort to make the collection as comprehensive as possible. Efforts were always made to cast the net as wide as possible, to be inclusive rather than exclusive, to show the range and variety of work produced in the medium. This includes some truly outstanding examples.

Less well represented is the 20th century, as the curators at that time did not feel confident in purchasing modern work. However many exhibitions of contemporary art have always been held in the galleries.

The first watercolour in the gallery collection is Henry Meynell Rheam’s Green and Blue, number 7 in the accession register, and is one of the pictures purchased out of the Birkenhead Mayor’s annuity. Rheam was an artist who had left Birkenhead to establish himself in Cornwall, then one of the most fashionable centres for British artists, but he evidently retained his reputation in his home town.

As had Philip Wilson Steer. A major oil painting was bought from Wilson Steer at this time, followed by two other paintings during his life and a very significant group from his studio sale and after. The Williamson now owns 48 paintings by Wilson Steer, by no means the largest group by a single artist but certainly unparalleled for an artist of such significance. Each phase of the artist’s work, including the oil sketch for his Autoportrét in the Uffizi Gallery, Florence, is represented. Less well represented his French and Impressionist work, which in his lifetime was considered by many to be an aberration and not his finest work. However subsequent art historians and collectors have disagreed and it is on those few paintings, rather than the bulk of his work in all its variety, that he is today hailed as significant.

Many of the Steer paintings were acquired with the aid of the charity, the National Arts- Collections Fund, and were the gift of various members of the artist’s family. In addition, the Contemporary Arts Society was a considerable benefactor to the Birkenhead collection, presenting the Stanley Spencer Autoportrét and a wide range of other works of art and craft.

The Modern-Day Williamson

Collecting today is a rather different affair. The Curators do not now have the influence of the same kind of interested private collectors sitting on committees, who had both the personal wealth and privileged contacts to aid both the gallery’s and the collection’s development. The Williamson’s collection does however continue to extend each year, concentrating on its strengths in artists with local connections. The tier of artists that maintains a high local or regional profile, but just misses the major national and international scene, is an excellent barometer of artistic style. Artists who have been prominent on Merseyside – many of whom have been students or teachers in Liverpool or Birkenhead – are well represented. Very many of these painted extensively in North Wales, often retiring to live there, and the area’s links with galleries and artists in Wales are just as strong today. The Fine Art collection now represents these artists well, with a much smaller selection of work by the really famous names putting the majority into an art-historical context.

The collection is not purely one of Fine Art, of course. The development of the museums in Birkenhead came at a time when a generation of wealthy collectors, the merchants and professional people who had helped create the town, were dying off. Such was their civic pride that many made donations to the museum. As a result, the collection in many areas grew in a haphazard way. Oriental ceramics, West African woodcarvings, Irish glass and Cretan antiquities all figure in the collections. More important are the developments connected directly to the Merseyside area. Local ceramics include the Knowles Boney collection of Liverpool Porcelain, from the second half of the 18th century, and Della Robbia Pottery, a fascinating Arts & Crafts enterprise that operated in Birkenhead from 1893 to 1906.

Most importantly, the maritime gallery opened in 1963, which brought models, pictures and artefacts from shipping lines with offices in Liverpool together with an equivalent collection drawn from Cammell Laird and items from the history of the Mersey Ferries.

This local aspect is vitally important to the success of the Williamson in its modern role within the community. When the Metropolitan Borough of Wirral was formed in 1974, the Williamson ceased to be purely for Birkenhead and instead become the focus of artistic activity for the entire borough. The gallery’s role developed as a concert and meeting venue, which it maintains today, and the extremely active exhibition programme is the envy of many larger galleries.

Whilst most visitors are from Wirral, the reputation of the gallery is such that regular visitors come from Cheshire, North Wales and Liverpool.


Philip Wilson Steer

Philip Wilson Steer OM (28 December 1860 – 18 March 1942) was a British painter of landscapes, seascapes plus portraits and figure studies. He was also an influential art teacher. His sea and landscape paintings made him a leading figure in the Impressionist movement in Britain but in time he turned to a more traditional English style, clearly influenced by both John Constable and J. M. W. Turner, and spent more time painting in the countryside rather than on the coast. As a painting tutor at the Slade School of Art for many years he influenced generations of young artists.

Steer was born in Birkenhead, in Merseyside, near Liverpool, the son of a portrait painter and art teacher, Philip Steer (1810–1871) and his wife, Emma Harrison (1816-1898). When Steer was three years old the family moved to Whitchurch near Monmouth from where, after a period of home schooling, he attended the Hereford Cathedral School. After finding the examinations of the British Civil Service too demanding, he became an artist in 1878. He studied at the Gloucester School of Art and then from 1880 to 1881 at the South Kensington Drawing Schools. He was rejected by the Royal Academy of Art, and so studied in Paris between 1882 and 1884, firstly at the Académie Julian, and then in the École des Beaux Arts under Alexandre Cabanel, where he became a follower of the Impressionist school. In Paris he was greatly influenced by seeing works by Edouard Manet and James McNeill Whistler and the French impressionists. [source]


Podívejte se na video: Philip Wilson Steer: A collection of 75 works HD (Červen 2022).


Komentáře:

  1. Mezuru

    Možná budu souhlasit s vaší větou

  2. Suhayb

    Zdá se mi to nádherný nápad

  3. Darrius

    It is very a pity to me, I can help nothing, but it is assured, that to you will help to find the correct decision.



Napište zprávu