Zprávy

Životopis španělského malíře Joana Mira - historie

Životopis španělského malíře Joana Mira - historie


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Životopis Joan Miro


Joan Miro Ferra byl vlivný malíř, sochař, keramik a grafik 20. století, který se narodil v roce 1893 v katalánské oblasti Španělska poblíž Barcelony. Začal kreslit jako malý chlapec, později navštěvoval obchodní školu a školu výtvarného umění La Lonja. Na druhé škole ho povzbudili dva učitelé, jeden ho povzbudil, aby oživil ducha primitivního katalánského umění a spojil jej s moderními objevy a technikami. (To bylo na začátku 20. století, v době, kdy moderní umění v Evropě teprve začínalo, a tvůrčí klima bylo energické a progresivní.) V mládí byl vystaven bohatému folkloru Katalánska, který později ovlivnil jeho obrazy, například jak viděl přirozené formy jako bytosti, včetně oblázků a stromů. Při návštěvách katalánského muzea v Barceloně byl také vystaven kompletním interiérům freskových kostelů z devátého až dvanáctého století s jejich relativně hrubým provedením a jednoduchými, plochými a kreslenými snímky. Využili také primární barvy, všechny silně načrtnuté černou barvou, s tmavě zastíněným okolním polem, a také moderní zacházení s prostorem jako plochým povrchem, nikoli s tradiční iluzí hloubky v obraze (perspektiva atd.). Všechny tyto prvky lze vidět na Mirově díle, stejně jako na používání rozdílů v měřítku, kde je jedna forma nepoměrně větší než ostatní, což je metoda, kterou děti často používají, když z předmětů pro ně dělají nejdůležitější předměty největších obraz.

Po 3 letech obchodní školy přijal Miro práci účetního v drogerii, což byl typ pozice, kterou si pro něj vybrali jeho rodiče. Byl tam přepracovaný a vážně onemocněl, když se ocitl na pokraji „nervového zhroucení“, po kterém následoval záchvat tyfu. Jeho rodiče ho pak vzali na svou novou venkovskou farmu Montroig v odlehlé katalánské vesnici. Zdravotní stav způsobil, že mu rodiče umožnili dělat to, co si nejvíce přál - malování. Navštěvoval Academy Gali v Barceloně (svobodomyslná akademie s vlivem současných zahraničních malířů, kde byl také zájem o literaturu a hudbu). Individuální výraz byl povzbuzován. Miro se také naučil kreslit pouze hmatem, nikoli zrakem. V této době (kolem roku 1915) začínal Dada a Miro začal číst avantgardní surrealistické básníky jako Apollinaire a Pierre Reverdy. Setkal se s Josepem Llorens y Artigasem, který se měl stát celoživotním přítelem a se kterým měl v příštích letech spolupracovat na keramických projektech. Miro byl také ovlivněn fauvismem (konkrétně Henri Matisse) a kubismem, který začal v prvních letech 20. století, a zpočátku maloval zátiší. (Španělsko má historickou tradici mystických zátiší, která kombinují všední objekty s děsivým osvětlením proti naprosté temnotě.) V letech 1915 až 1918 maloval akty, pak portréty a poté krajinu. V tomto okamžiku začal „geometrizovat“ formy a používal barvy nezávisle na jejich místní barvě (jako Fauves, který používal jasné barvy, které se v přírodě nevidí). Začal také hledat znaky a symboly, které by představovaly lidi a zvířata v napětí nebo pohybu. Jeho dva největší vlivy, když byl mladý, byli Paul Cezanne, Manet, Claude Monet a Vincent van Gogh. Galerie Dalmau v Barceloně byla místem setkávání zahraničních návštěvníků. Miro se zde setkal s Francisem Picabiem, dadaistickým malířem. Miroova práce prošla obdobím volné expresivity, které se nyní rozhodl poněkud zpřísnit, a to až do roku 1921-22 krajinou. Jeho nejznámějším dílem z tohoto období je The Farm, pohled na farmu jeho rodičů. Práce odvedená během této doby ukazuje drobné detaily s využitím přesnosti naivního primitivního malíře. V této době a po celý život byl ovlivněn svým katalánským dědictvím, jako je zdobená katalánská keramika a katalánské nástěnné malby, které byly restaurovány ve 20. letech 20. století a malovány plochými vzory v lidovém stylu. V této době také začínal být ovlivňován surrealismem (který začal ve 20. letech 20. století) a jeho práce nyní nabyla volnějšího vzhledu (od základů až po podstatu).

V roce 1919 podnikl svou první cestu do Paříže a navštívil Picassa ve svém ateliéru. V Katalánsku se narodili také malíři Francis Picabia, Salvador Dali, Antoni Tapies a architekt Antoni Gaudi. Přestože se Picasso narodil v Malaze, v andaluské oblasti Španělska, byl ovlivněn katalánským uměním. V Mirově životě byla tři důležitá místa: Montroig (v Katalánsku), Barcelona a Paříž. (Katalánsko se nachází v severovýchodní části Španělska, poblíž Francie, a katalánská kultura je velmi blízká kultuře na jihu Francie. Katalánští lidé byli vždy velmi nezávislí lidé, kteří se pevně drželi svého jazyka a tradic.) o rok později znovu navštívil Paříž, kde se setkal se surrealistickými básníky Pierrem Reverdym a Tristanem Tzarou. V této době se zúčastnil první demonstrace Dada v Paříži. A nakonec se přestěhoval do Paříže, v vzrušující době pro mladé umělce, kteří sdíleli podpůrné přátelství. V roce 1923 došlo v Mirově umění k velké změně, směřující k více znakovým formám (tj. Jako hieroglyfy), geometrickým tvarům a celkovému rytmu. Došlo také k posunu směrem k celkovějšímu složení, s Harlekýnským karnevalem z let 1924-25. Tento celkový typ kompozice později použili Jackson Pollock, Robert Motherwell, Mark Rothko a další modernisté, než aby použili ohnisko, jaké se používá v tradiční malbě, kompozice zahrnula celý obrazový povrch stejně na všech místech. Jeho formy zahrnovaly kočky, motýly, figuríny a katalánské rolníky a v jeho obrazech byl vizuální pohyb. V této době začal surrealismus, spisovatel Andre Breton vydal surrealistický manifest. Surrealismus měl být splynutím reality a snu, jakousi „super“ realitou. Breton cítil, že Miroova práce v tom je nevinnost a svoboda. Miro předváděl svou práci na surrealistických výstavách a ovlivnili ho zejména surrealističtí básníci, kteří ve svém hledání poklepání na nevědomí hráli hry jako „vynikající mrtvola“, aby mohli skládat básně. Exkluzivní mrtvola byla technika, při které se slovník předával ve skupině básníků, z nichž si každý vybral slovo náhodně. Ať už padla jakákoli slova, zorganizovali by to do básně, takto vznikla fráze „znamenitá mrtvola“. Využívali také techniky psychického automatismu (jako volná asociace) a „systematické narušování smyslů“. Miro a další malíři (jako například Andre Masson) vymysleli způsob, jak tyto techniky přenést do svého vizuálního média pomocí svých snů a vizuální volné asociace. V této době Miro namaloval asi 100 obrazů ze svých snů, toto bylo jeho nejvíce surrealistické období. Ve spolupráci s básníky také ilustroval surrealistické básně. Další koncept zavedený dadaisty byl prvek náhody nebo nehody v umění. Začali s kapkou tekutiny, poté ji přidali a vytvořili obraz. „Malíř pracuje jako básník nejprve slovo, pak myšlenka,“ je citát, který se snaží popsat, jak umělci a básníci mohou vidět nebo uvažovat o konkrétním obrazu nebo slovu, než formulovali myšlenku nebo „symboliku“, která je za tím. . V této době byl Miro ovlivněn dílem Francise Picabia a Giorgia de Chirica. Přestože vystavoval se surrealisty a s mnoha z nich se přátelil, nikdy se zcela nepoddal jejich hnutí a nepodepsal surrealistický manifest, možná kvůli radikálním politickým aktivitám surrealistů, kteří se také velmi zajímali o psychologické myšlenky Sigmunda Freuda a Junga.

V letech 1927 a 1928 Miro maloval postavy odvozené z katalánského lidového umění. V roce 1928 začal malovat obrazy podle pohlednic některých holandských interiérů, které viděl v Holandsku, od takových malířů, jako byl Jan Steen. Obrazy, z nichž pracoval, byly přeplněné formami, které postupně zjednodušoval a obraz velmi svlékl pomocí geometrických rozdělení a zakřivených pohybů v kompozicích. V této době se vzdálil od svých výchozích bodů a začal používat neobvyklé zdroje, jako například dieselový motor, ovlivněný surrealistickým myšlením. Od roku 1928 do roku 1929 vytvořil řadu koláží v Paříži, které přesunul blíže k Maxovi Ernstovi, Rene Magritte, Paul Eluard a Jean Arp, takže byl více ovlivněn tvorbou těchto surrealistických malířů a jednoho básníka. Zvláště Max Ernst je známý svými kolážemi. V surrealistickém umění existovaly dvě tendence: reprezentativní obrazy Daliho a Magritte a abstrahovanější obrazy Massona a Mira, ačkoli oba byli ovlivněni surrealistickými představami o anti-logice a podvědomí a Daliho a Magrittově obrazech, ačkoli byly namalovány vysoce realistická móda, zobrazují předměty a scény, které se v racionálním světě neobjevují, například vlak přijíždějící krbem do místnosti nebo tající hodiny. V roce 1929 dokončil Miro první fázi své umělecké tvorby a během následujících 10 let, které pro něj byly finančním i uměleckým bojem, začal zpochybňovat a přehodnocovat svou práci. Začal experimentovat s materiály - dělal papírové koláže a koláže, používal obrázky běžných předmětů, jako jsou domácí potřeby, stroje a skutečné hřebíky, provázky atd. Toto období experimentování mu pomohlo upustit od všech přetrvávajících tradičních postupů a odstranit obvyklé návyky pracovní. Používáním předmětů bez významu se umělci mohou soustředit spíše na abstraktní kvality objektů než na jejich související významy nebo emoce, což umožňuje větší formální svobodu a divák je také méně schopen přikládat obrazům doslovný význam. Tyto „neutrální“ předměty s malou estetickou hodnotou nebo významem odvádějí pozornost od předmětu a směrem k formám a obsahu v obraze. Po vytvoření těchto koláží Miro vytvořil obraz koláže - přenesl plochý obraz koláže na stejně ploché plátno. Tyto obrazy z koláží jsou vysoce rafinované a silně grafické obrazy, a přestože neobsahují žádný identifikovatelný předmět, obrazy obsahují obsah nebo význam. Ačkoli Miro je často charakterizován jako abstraktní malíř, sám se domníval, že jím není - dokonce považoval za urážku nazývat jeho dílo abstraktním, protože tvrdil, že každá forma v jeho obrazech byla založena na něčem ve vnějším světě, jen zjednodušeném. do jeho charakteristických biomorfních tvarů a zakřivených linií. Ve třicátých letech minulého století byl na celém světě aktivní konflikt, zejména španělská občanská válka a počátky druhé světové války. Během španělské občanské války došlo k mnoha zvěrstvům, způsobeným Francovými fašistickými silami, jak je znázorňoval Picasso ve své slavné Guernici. Ačkoli Miro nebyl politický umělec, jeho formy během této doby zobrazovaly určitou brutalitu se zkreslením a křiklavou barvou. Na pařížské výstavě v roce 1937 vytvořil nástěnnou malbu pro španělský pavilon, nazvanou Reaper.

V roce 1940 a '41 zahájil svou známou sérii 22 souhvězdí, které se skládají z černých teček představujících hvězdy na bílém podkladu, pomocí kvaše a ředěného oleje na papíře. Jedná se o velmi složitá díla, přičemž každá část plátna je aktivována. Pečlivě umístěné body vytvářejí pocit „skákání“ nebo „tance“, dokonce pocit „spojte body“. Připomínají pohledy na pozdní tvorbu Pieta Mondriana, když objevil americký jazz - Broadway Boogie -Woogie z roku 1947, který má stejný vizuální pohyb, a chladnou, taneční kvalitu malých čtverců. Miroova práce však směřuje spíše k kosmickému uvědomění - jsou to spíše hvězdy než jen abstrahované tečky (malovaná poezie).

Miro pobýval ve Španělsku během druhé světové války, jeho tvorba je ovlivněna nocí, hudbou a hvězdami. Jeho formy se staly ještě abstrahovanějšími a ve své práci použil řadu technik, například kdykoli se čáry protnuly, došlo k potřísnění primární barvou, když došlo k překrytí červené a černé barvy. Dával dílům sugestivní názvy jako Krásný pták odhalující neznámému páru milenců. V roce 1942 se začal zajímat o rytí a keramiku (se svým přítelem Artigasem, vysoce kvalifikovaným hrnčířem) a v roce 1944 se vrátil k malování, nyní ke svým obrazům přidává kaligrafickou kvalitu. V tuto chvíli si začal získávat mezinárodní věhlas díky retrospektivní výstavě v Muzeu moderního umění v New Yorku z roku 1941 a své účasti na mezinárodní surrealistické výstavě z roku 1947 v Paříži, kterou pořádali Marcel Duchamp a Andre Breton. Ten rok byl pozván, aby udělal nástěnnou komisi pro hotel v Cincinnati v Ohiu, který byl 30 stop dlouhý. V roce 1950 a '51 udělal další nástěnnou malbu pro absolventské centrum na Harvardu, která se skládala z volně čtvercových barevných bloků kombinovaných s černými linkami a malými plochami čisté barvy. Tyto prvky tvoří kreslené postavičky. (Tato nástěnná malba byla později nahrazena Mirovou keramickou nástěnnou malbou.) Během čtyřicátých let také namaloval několik „panáčků“ a v padesátých letech jeho obrazy obsahovaly podoby téměř jako primitivní piktogramy. V jeho obrazech se formy často nedotýkají okrajů obrazové oblasti - většina je od okrajů v rovnoměrné vzdálenosti, přičemž snad jeden malý prvek se dotýká okraje plátna nahoře nebo jinde. Jeho pozadí se nyní také stalo skvrnitější než ploché plochy barvy, což dává obrazům větší pocit vizuální hloubky. Navzdory tomu, že se okraje zcela nedotkly, jeho formy v této době stále dokážou mít celkový typ kompozice. Během této doby také začal malovat keramiku. Po válce, poté, co byl v ústraní, strávil čas s přáteli umělce Marcelem Duchampem, Alexandrem Calderem a Yvesem Tanguym v New Yorku. Ovlivnil ho čas strávený v Americe, zejména život ve městě New York, který sestával z jasných světel a jakéhosi smyslového bombardování, někdy stresujícího. V roce 1948 se vrátil do Paříže a měl několik výstav. Některá jeho díla jsou nyní pečlivě složena a provedena a jiná jsou záměrně spontánní a experimentální. Na počátku padesátých let začal ve své práci sloučit tyto dvě tendence s malířským pozadím, lineárními černobílými formami a doteky čisté barvy. V padesátých letech vyvinul zcela nový přístup pomocí malířských metod primitivního člověka a vytvořil malované a vyřezávané formy. V této době se mu splnil celoživotní sen o „velkém ateliéru“ a obklopil se všemi předměty, které během let sbíral, jako jsou leštěné kameny, naplavené dříví, mušle, podkovy, zemědělské nářadí, atd. To také odráželo surrealistický zájem o speciální magické předměty, jako jsou talismany. Jejich jednoduché formy povzbudily jednoduché formy v jeho práci. Od roku 1945 do padesátých let vyřezával do hlíny malé postavy, jako primitivní bohyně plodnosti a jednoduché vázy s ptačími a hlavičkovými tvary. V letech 1954 až 1960 produkoval svůj největší keramický výkon s pomocí Josepa Llorense y Artigase, který poskytl technické znalosti pro jeho výtvory. Pro Mira použili velmi velkou pec na pečení jeho stále větších keramických forem, které vytvořil v jednotlivých částech, aby se po vypálení znovu připojily. Chtěli vyrábět keramická díla, která nebyla pouze malbami přenesenými na keramiku, ale v úctě k samotnému keramickému médiu. Jejich velkým projektem bylo převést Mirovy umělecké předměty na keramické médium. Začínali s velkými kamennými bloky navrženými přírodními skalními útvary na venkově, poté vytvořili malé oblázky a vajíčka. Vyráběli vázy, nádobí a mísy a přidávali k nim formy, aby vyráběli předměty, které neměly praktické využití. Nakonec vytvořil zcela vymyšlené formy. Vyvinuli vysoce rafinovaný proces zasklení s použitím 3 až 8 pálení pro každý kus. Kvůli nepředvídatelnosti pece se kusy mohou rozpadnout nebo přinést neočekávané výsledky. Použití hrnčířské metody raku, pečení na dřevěném ohni, vytváří efekty, které se u plynových nebo elektrických pecí nevidí. Miro se tyto výstřelky pece do značné míry naučil ovládat a vzniklo 232 kusů, které poslal v roce 1956 do Paříže na výstavu do Galerie Maeght. Účinek této show v galerii byl silný, což mělo silný vliv na diváky - jeho primitivní formy stály a seděly všude, jako paleolitický les. Miro také produkoval jeho první bronzovou sochu v této době. V roce 1955 byl pověřen vyzdobením nové budovy UNESCO v Paříži vyrobil keramický design v souladu s designem budovy. Pro tento projekt si s Artigasem prohlédli jeskynní malby Altamira a románské fresky v barcelonském muzeu a také výzdobu architekta Gaudího. Za tuto práci získal Miro v roce 1958 Guggenheimovu cenu.

V roce 1959 se znovu vrátil k malování a jeho práce byla nyní informována jeho zkušenostmi z jiných médií. V roce 1962 namaloval Mural Painting III, extrémně náhradní obraz s pevným žlutooranžovým povrchem, se dvěma malými černými tečkami a třemi nepravidelnými čarami, náhradní, malířský obraz. V 60. letech se více věnoval médiím grafiky, keramiky, nástěnných maleb a sochařství. Jedním z důvodů jeho zájmu o tato další média bylo, že zahrnovaly spíše spolupráci s jinými lidmi než samotářskou činnost malby. Apeloval na něj také tisk z mnoha obrázků, nikoli jen z jednoho originálu.

Mirův vliv na umění 20. století je skvělý. Někteří umělci, kteří jím byli ovlivněni, patří Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko a expresivní abstraktní malíři. Možná, že původním malířem barevného pole byl Matisse a možná, že Miro použil velké pole barev kvůli Matisseovu vlivu. Mezi malíře, kteří přišli poté a používají barevné pole, patří Helen Frankenthaler, Jules Olitski a Morris Louis. Miroova obrovská pole barev také představila myšlenku, že „prázdný“ prostor je stejně cenný jako obsazený prostor v malbě. Zde je citát Mira z roku 1958 od umělců dvacátého století o umění:

Pohled na oblohu mě ohromuje. Jsem ohromen, když vidím na obrovské obloze srpek měsíce nebo slunce. Tam, na mých obrázcích, malé formy v obrovských prázdných prostorech. Prázdná místa, prázdné horizonty, prázdné pláně - vše, co je holé, na mě vždy velmi zapůsobilo. ”

Jeho charakteristická biomorfní forma byla také vlivná v abstrakci 20. století, s Alexandrem Calderem a dalšími. Miro měl jedinečné místo mezi surrealismem a abstraktním expresionismem, ovlivňoval newyorskou školu malířů ve 40. a 50. letech. Během svého života Miro pracoval v několika tiskařských procesech, včetně gravírování, litografie a leptu, stejně jako používání šablon (nazývaných pochoir). Uvedl, že díky grafice jsou jeho obrazy bohatší, a dal mu nové nápady pro svou práci. V roce 1967 byl Miro představen karborundum (gravírování karbidu křemíku), který kombinoval tuto techniku ​​s jinými tiskařskými procesy, dokázal vytvořit obrazy, které soupeřily s původními kvalitami malby. Pokračoval ve zkoumání karborundových akvatintů po zbytek svého života a v roce 1970 uspořádalo Muzeum moderního umění v New Yorku výstavu speciálně věnovanou těmto tiskům. V pozdějších letech trávil většinu času lepty, rozsáhlými akvatinty a knižními ilustracemi. Velkou část jeho práce lze nalézt v Guggenheimově a Muzeu moderního umění v New Yorku. V 70. letech se mu stále dostalo velkého uznání a měl velké výstavy v Musee National d'Art Moderne a dalších významných uměleckých institucích v Evropě a Americe. V roce 1980 španělský král Juan Carlos udělil Mirovi zlatou medaili za výtvarné umění. V roce 1983, v roce jeho 90. narozenin (a jeho smrti), se pro něj v New Yorku a Barceloně konaly oslavy narozenin.

V roce 1972 byla v Barceloně legálně ustavena nadace Fundacio Joan Miro, Joan Miro Foundation. Muzeum bylo otevřeno v roce 1976 se sbírkou Mirových kreseb. Je zde vystaven velký výběr Mirových obrazů, soch, textilu a grafik a také výstavy dalších moderních a současných umělců. V knize Malíři na malováníMiro je citován v rozhovoru z roku 1947 a říká, že jeho oblíbenými malířskými školami jsou jeskynní malíři - primitivi. V jednom okamžiku tvrdil, že od doby jeskynní malby umění nedělá nic jiného než degeneruje. Vyjádřil také zálibu v Odilonu Redonovi, Paulu Kleemu a Wassily Kandinském za jejich „esprit“. Pro umělce „čisté“ malby dal přednost Pablovi Picassovi a Henri Matisseovi a cítil, že oba jejich úhly pohledu jsou důležité. Dodal, že směr, kterým by se malba měla ubírat, byl „znovuobjevit zdroje lidského cítění“. Uvedl také, že nedělal rozdíl mezi malbou a poezií a že malování je „jako milování - je to výměna krve, úplné objetí - bezohledné a bezbranné“. Řekl, že jeho cílem je pomoci malbě postoupit za stojan, posunout její hranice a vytvořit reakci nejprve na fyzický vjem, pak velký dopad na psychiku diváka. Čistou abstrakci považoval za absurditu a prázdnou. Stejně jako Gaudi byl Miro fascinován katalánským jazykem, který požadoval ve své závěti, aby se jeho pohřeb konal v katalánském stylu s nekrologem napsaným v katalánském jazyce.

Mirovy obrazy, které pocházely z jeho paměti, nevědomí, snů a transformativních modernistických uměleckých procesů, jsou najednou dětské, nevinné a sofistikované. Jeho dva póly existence, Katalánsko a Paříž, odrážejí tuto kombinaci venkova a kosmopolitu. Jeho formy (stvoření jako lidé, ptáci, hmyz a zvířata) jsou rozmarné a expresivní a také vynalézavé. Konečný význam všech jeho abstrahovaných realit nemusí být znám, ale lze s jistotou říci, že všechny pro něj měly význam, v jeho dětství, v jeho snech a v jeho životě.


NORD-SUD, 1917

Nord-Sud, 1917, od Joan Miró. Fotografie: Collection Maeght, Paris

Ve věku 24 let Miró touží opustit Barcelonu do Paříže

Miró vytvořil tento obraz v roce 1917, když žil v rodné Barceloně a snil o přestěhování do Paříže. Byl v posledním roce své vojenské služby jako voják, Španělsko nebylo zapojeno do první světové války, a byl frustrován tím, že boje ve Francii odložily jeho ambice zapsat se do pařížské avantgardy. Po období deprese se vzdal kariéry v podnikání, kterou pro něj jeho otec plánoval, a předchozí čtyři roky strávil, když nebyl v uniformě, malováním na plný úvazek měl předčasné, 24leté pocit, že ho život už míjí.

Přítomnost deníku v jeho malbě Nord-Sud - toho roku založil v Paříži mimo jiné básník Guillaume Apollinaire - naznačuje jak tuto úzkost, tak solidaritu s ideály svobody, které časopis představoval. Pták v kleci za ním stojí před otevřenými dveřmi, ale ještě neletěl: „Musím vám to říci,“ napsal Miró svému příteli a kolegovi malíři EC Ricartovi v roce 1917, „že pokud budu muset žít mnohem déle v Barceloně, bude duseno atmosférou - tak lakomý a takový zapadákov (umělecky řečeno). “

Miró byl především zoufalý, v duchu okamžiku, být součástí -ismu, nebo lépe vytvořit. Impresionismus byl mrtvý, navrhl: „Pryč s plačícími západy slunce v kanárské žluté. Pryč se vším tím, co vyrobili crybabies!“ Již očekával zánik kubismu, futurismu a fauvismu (ačkoli zejména ten druhý má na jeho malbu zde silný vliv). Nůžky jsou pro něj připravené přerušit vazby s minulostí a přítomností, s Katalánskem (zastoupeným v charakteristické váze) a s goetheovskými obřady průchodu. Ale jeho naděje na nalezení tohoto nového stylu, nového způsobu malby se zdála být mimo něj a na sever.

O dva roky později se Miró stále ocitl šíleně chycen v této končetině a při odchodu svých přátel nacházel nová trápení: „Ricart vám musel říci,“ napsal v srpnu 1919 JF Rafolsovi, „že je rozhodnutý odjet do Paříže na několik měsíců. Bojím se, že se vyděsí, pokud si neuvědomí, že život v Paříži je drahý, pokud tam nestihne jet s dobrým měsíčním příspěvkem. Určitě jedu na konci listopadu. Musíte jít tam jako bojovník a ne jako divák boje, pokud chcete něco udělat. "

Když se Miró nakonec v roce 1920 dostal do Paříže, zavolal Picassa, kterého nikdy nepotkal, ale jehož matka byla rodinným přítelem v Barceloně. Picasso si ho vyhlédl, koupil obraz, který mu Miró ukázal, a pomohl mu do radikální společnosti, o které snil. Do jednoho roku Miróovo malé studio na rue Blomet pravidelně navštěvovalo jeho nové přátele: básníka Paula Éluarda, dramatika Antonina Artauda a výtvarníka Tristana Tzaru. Sud si našel cestu Nord.


Joan Miró: biografie, díla, výstavy

Joan Miró nikdy nebyl tím, kdo by ji podle knihy hrál. Jako umělec žil a pracoval s nejvýznamnějšími tvůrci své doby a byl otevřený vlivu všech hnutí, uměleckých děl, škol a manifestů. Jeho práce se ale nenápadně odpoutává od práce jeho současníků a vždy sleduje svou vlastní jedinečnou a osobní trajektorii. Díky neustálé kreativitě a zájmu o všechny druhy uměleckých technik zanechal Miró dědictví obrovské, všestranné a plné soudržnosti.

To nejosobnější ze všech avantgardních umění 20. století

Fotografie Joan Miró od Man Ray (1933). Z www.museoreinasofia.es

Joan Miró nikdy nebyl tím, kdo by ji podle knihy hrál. Jako umělec žil a pracoval s nejvýznamnějšími tvůrci své doby a byl otevřený vlivu všech hnutí, uměleckých děl, škol a manifestů. Jeho práce se ale nenápadně odpoutává od práce jeho současníků a vždy sleduje svou vlastní jedinečnou a osobní trajektorii. Díky neustálé kreativitě a zájmu o všechny druhy uměleckých technik zanechal Miró dědictví obrovské, všestranné a plné soudržnosti. Dnes je považován za jednoho z nejvýznamnějších umělců 20. století v mezinárodním měřítku, jeho vliv přesahuje oblast výtvarného umění, aby ovlivňoval a formoval ostatní, jako je grafický design a reklama. Během svých devadesáti let života Miró žil a pracoval v Barceloně, na Mallorce, v Paříži a v New Yorku a jeho hluboce zakořeněná láska k domovu, zejména do Barcelony a na ostrov Mallorca, zůstala v centru jeho práce, naplněná ostatními krajinami. to ovlivnilo jeho život.

„Femme, oiseau, étolie (Hommage to Pablo Picasso)“, 1966-1973. Z www.museoreinasofia.es

Láska k umění a objevování moderny

Joan Miró i Ferrà se narodil v Barceloně v roce 1893, když se 19. století chýlilo ke konci a příchod 20. století předznamenal znepokojivý posun ve společnosti, kultuře a uměleckých postupech. Miróovo umělecké povolání bylo pravděpodobně podpořeno profesemi jeho rodiny - jeho otec byl zlatník a hodinář, zatímco jeho dědeček byl mallorský truhlář. První známé kresby Miró pocházejí z roku 1901, když mu bylo pouhých 8 let. Během svých vysokoškolských let kombinuje studium obchodu a výtvarných umění a v roce 1910 začíná pracovat jako účetní ve farmaceutické společnosti, ale jeho umělecká dispozice se bouří proti stagnaci křupání čísel a rezignuje. Přibližně ve stejnou dobu onemocní břišním tyfem a poprvé začne žít v Mont-Roig, ve venkovském domě, který vlastní jeho rodiče, a okolní katalánská nížina zůstane navždy v jeho srdci a mysli a stane se hlavní hrdina mnoha svých děl.

„Sirurana, el camí“ (1917). Muzeum Reina Sofia, Madrid. Z www.museoreinasofia.es

Rekonvalescence poskytuje Miróovi čas zamyslet se nad jeho budoucností a poté se rozhodne zasvětit svůj život malování a zapíše se na uměleckou školu Francesc Gali, kde poprvé přijde do kontaktu s kruhem katalánských umělců, kteří se později stanou jeho přáteli , kolegové a obchodníci s uměním. Jsou to roky vášně a mládí, malování živých modelů a sdílení studií s jinými umělci. Jsou to také roky objevování: dadaistické umění a avantgardní katalánské a francouzské publikace vyvolávají zájem mladé Miró.

Pařížská léta

Na počátku dvacátých let minulého století a po své první výstavě v galeriích Dalmau patřící jeho příteli a prvnímu prodejci Josepu Dalmauovi se Miró stěhuje do Paříže, kde pracuje ve studiu Pabla Gargalla. Během svých měsíců volna se vrací do Mont-Roigu, který spolu s Paříží, Barelonou a New Yorkem tvoří jádro, kolem kterého by byla jeho práce strukturována. Byly to vzrušující roky, během nichž se setkal s Picassem, André Massonem, Ernestem Hemingwayem, André Bretonem a Paulem Éluardem, mimo jiné s významnými postavami tehdejších intelektuálních a uměleckých elit. Miró pracuje na projektech nad rámec pouhé malby, jako je jeho spolupráce s Maxem Ernstem na kostýmech a inscenování pro balet “Romeo a Julie". Právě v této době také vytváří svůj první „ Španělští tanečníci " (1928), dadaisty inspirované koláže, které poznamená jeho pozdější tvorbu. Od roku 1930 Miró roste zájem o další disciplíny, jako je basreliéf a sochařství, které se v následujících letech začnou projevovat výrazněji než jeho malba, i když ji nikdy zcela neopouští.

„Španělský tanečník I“ (1928). Muzeum Reina Sofia, Madrid. Z www.museoreinasofia.es

Koláže, předměty a nástěnné malby

Joan Miró pracující na nástěnné malbě „Reaper“ (1937). Z www.20minutos.es

Od roku 1931 Miró, dělící svůj čas mezi Mont -Roig, Paříž a Barcelonu, přidává další nové a fascinující místo - New York, kde bude jeho zástupcem Pierre Matisse, syn francouzského fauvistického malíře a rytce Henriho. Během těchto let Miró stále více rozšiřuje spektrum oborů používaných pro jeho práci, vytváří lepty, koláže, asambláže a malby na masonitu. Vypuknutí španělské občanské války ho donutilo, aby se spolu s rodinou přestěhoval do Paříže, kde se zavázal k republikánské věci tím, že v roce 1937 namaloval velkou nástěnnou malbu, “Reaper (katalánský rolník ve vzpouře) “, pro španělský pavilon na letošní mezinárodní výstavě Expo. Nástěnná malba od té doby zmizela a přežily jen černobílé fotografie.

Vášeň pro sochařství

"Osobnost" (1974) z výstavy Joan Miró: Sochy, pořádá Centro Botin de Santander v roce 2018. Od ABC

Od 20. let 20. století Miró věnuje velkou část svého času sochařství. Jeho trojrozměrná díla se inspirovala jeho deklarovanou vášní pro 'objekty', a to natolik, že si jich ve svém ateliéru nashromáždil stovky. Ve čtyřicátých letech minulého století umělec vrhl své první bronzy a začal experimentovat s různými materiály a médii. Až do samého konce svého života Miró rozvíjel své sochařské dílo a sestavil obrovské portfolio. V šedesátých letech mu Alberto Giacometti poradil, aby namaloval některé ze svých bronzů, což byl návrh, který vyústil v nádherné kousky, jako například „Osobnost " (1967). Kromě bronzů a malovaných postav Miró pracoval také s mramorem a betonem obloženým keramikou. Jeho poslední monumentální socha "Dona i Ocell " (1987), je dobrým příkladem jeho zvládnutí materiálů.

Mezinárodní umění, které žije

Od padesátých let si Miró upevňuje mezinárodní pověst a jeho sláva se začíná šířit po celém světě. Definitivně se usazuje v Palmě de Pallorca, kde ve spolupráci s keramikem Josepem Llorensem Artigasem podniká své vůbec první keramické kousky. Tuto techniku ​​použije v obrovských nástěnných malbách, které lze stále vidět a obdivovat v mnoha velkých městech, v sídle UNESCO v Paříži (vítěz Guggenheim International Award), Abychom jmenovali alespoň Harvardskou univerzitu a barcelonské letiště. V roce 1975 byla v Barceloně slavnostně otevřena nadace Miró, jejímž úkolem je spravovat a šířit umělcovo dědictví. Miró pokračoval v práci po zbytek svého života a zemřel ve věku devadesáti let v roce 1983, všeobecně považován za jednoho z největších umělců 20. století.

Nástěnná malba "La Luna" (1958) ve spolupráci s Josepem Llorensem Artigasem v sídle UNESCO v Paříži. Z www.unesco.org

VÝSTAVY

Hommage to Miró (1974)

Tato výstava v pařížském Grand Palais byla poslední retrospektivou jeho díla, která se uskutečnila během Miróova života. O více než čtyřicet let později, v roce 2018, měl Grand Palais slavnostně otevřít další velkou výstavu věnovanou umělci, „Miró, barva snů“, představí více než 150 svých děl.

Miró a objekt (2016)

Pořadatelem CaixaForum Madrid bylo cílem této výstavy prozkoumat nové aspekty Miróova vesmíru prostřednictvím předmětů: jejich poetiky, jejich výrazových možností a „duše“, kterou v nich Miro vždy dokázal najít. Výstava byla zahájena v Madridu poté, co se poprvé ukázala v nadaci Miró v Barceloně a pokrývá dlouhé umělecké období od 20. do 70. let minulého století. Některá vystavená díla (například „Hračky", 1924) byly ve Španělsku spatřeny vůbec poprvé.

Miró, barva snů (2018-19)

Jak bylo uvedeno výše, tato výstava v Grand Palais byla na počest díla a postavy Joana Miró čtyřicet čtyři let po předchozí retrospektivě v 70. letech minulého století. Jak tehdy řekl jeho osobní přítel a kurátor výstavy Jean Luis Prat: „Miró bylo pravděpodobně hluboce ovlivněno 50 letou historií poznamenanou dvěma světovými válkami. Tyto hrozivé události a otázky, které kladl mužům, sobě i své vlasti, zabarvily jeho práci. “

Zrození světa - MoMA (2019)

Počátkem roku 2019 uspořádalo Muzeum moderního umění v New Yorku (MoMA) velkolepou výstavu umělcova díla s klíčovými díly jeho nádherné sbírky a několika exkluzivními půjčkami. Centrem výstavy je obraz „Zrození světa“. Displej obsahoval téměř 60 olejů na plátně, kresby na papíře, rytiny, ilustrované knihy a předměty.

„Miró“. Jacques Dupin, 1961

Neustále revidovaná, aktualizovaná a přepracovaná monografie vydaná Jacquesem Dupinem na počátku šedesátých let je zásadní četbou pro každého, kdo chce vědět vše o našem katalánském umělci. Životopisec dokončil knihu včetně Miróova díla v následujících dvou zbývajících desetiletích jeho života, a to díky vynikajícímu vztahu s Miróovou rodinou a nebývalému přístupu k práci historiků, kurátorů a odborníků na umění. V roce 1993 vyšlo další přepracované vydání, které je dodnes považováno za jeden z nejzákladnějších textů o životě a díle Joan Miró.

„Miró“. Janis Mink, 1999

Nakladatelství Taschen, měřítko v uměleckých a výtvarných monografiích, vydalo biografii Joana Miró z roku 1999 od Janise Minka. Se stovkami ilustrací a velkolepou pozorností k detailům kniha pokrývá umělcovu trajektorii téměř 70 let-od automatických kreseb v surrealistickém stylu až po asamblážové sochy, které z předmětů zkonstruoval. Kniha dbá na to, aby respektovala Miróovy výstřednosti jako nezařaditelného umělce a postavu, která se bránila tomu, aby byla zařazena do kategorií, trendů nebo škol.

"Joan Miró." Cesta k umění “. Pilar Cabañas, 2013

O životě a díle Joan Miró bylo napsáno mnoho, ale i tak se v roce 2013 Pilar Cabañas podařilo vnést do díla umělce zcela nové světlo a napsat knihu, která je pro jeho pochopení zásadní. Autorka, která svůj pohled opírá o principy, jimiž se Miróova práce řídí, nám poskytuje vodítka k pochopení člověka jako lidské bytosti a jako umělce. Cabañas se ponoří do problémů, jako je to, co řídí jeho kreativitu, důvody jeho umění a zkoumání smutku, osamělosti a bolesti v jeho práci, mimo jiné. S Miróem jako výchozím bodem nás Cabañas provází uměním obecně jako cestou k transcendenci a podstatě lidstva. Text je obohacen o účast Ignacia Llamase, který edici navrhl.


Obsah

Miró se narodil v rodině zlatníka a hodináře a vyrostl v barcelonské čtvrti Barri Gòtic. [6] The Miró příjmení označuje možné židovské kořeny (pokud jde o marrano nebo converso Iberských Židů, kteří konvertovali ke křesťanství). [7] [8] Jeho otec byl Miquel Miró Adzerias a jeho matka byla Dolors Ferrà. [9] Kurzy kreslení začal v sedmi letech na soukromé škole ve středověkém sídle Carrer del Regomir 13. Ke zděšení svého otce se v roce 1907 zapsal na Akademii výtvarných umění v La Llotja. Studoval na Cercle Artístic de Sant Lluc [10] a první samostatnou výstavu měl v roce 1918 v Galeries Dalmau, [11] kde jeho práce byla zesměšňována a poškozována.[12] Inspirován fauveovskými a kubistickými výstavami v Barceloně i v zahraničí, Miró byl přitahován k umělecké komunitě, která se scházela na Montparnasse a v roce 1920 se přestěhovala do Paříže, ale léta trávila nadále v Katalánsku. [6] [13] [14] [15]

Úpravy kariéry

Miró původně chodila na obchodní školu a také na uměleckou školu. Svou pracovní kariéru začal jako úředník, když byl teenager, ačkoli po nervovém zhroucení úplně opustil obchodní svět pro umění. [18] Jeho rané umění, podobně jako u podobně ovlivněných fauvů a kubistů, bylo inspirováno Vincentem van Goghem a Paulem Cézannem. Podobnost Miróova díla s mezigenerací avantgardy vedla vědce k tomu, aby toto období nazvali jeho katalánským fauvistickým obdobím. [19]

Několik let po Miróově samostatné výstavě v Barceloně v roce 1918 [11] se usadil v Paříži, kde dokončil řadu obrazů, které zahájil na letním sídle a farmě svých rodičů v Mont-roig del Camp. Jeden takový obraz, Farma, ukázal přechod k více individuálnímu stylu malby a určitým nacionalistickým kvalitám. Ernest Hemingway, který dílo později koupil, přirovnal umělecký výkon k Jamesi Joyceovi Ulysses a popsal to slovy: „Je v tom všechno, co ke Španělsku cítíte, když jste tam, a všechno, co cítíte, když jste pryč a nemůžete tam jít. Nikdo jiný nebyl schopen namalovat tyto dvě velmi protichůdné věci.“ [20] Miró se každoročně vracel do Mont-roigu a rozvíjel symboliku a nacionalismus, který by ho držel po celou dobu jeho kariéry. Dvě z prvních Miróových děl klasifikovaných jako surrealistické, Katalánská krajina (Lovec) a Obdělávané pole, [21] používají symbolický jazyk, který měl dominovat umění příštího desetiletí. [22]

Josep Dalmau uspořádal Miróovu první pařížskou samostatnou výstavu v Galerii la Licorne v roce 1921. [13] [23] [24]

V roce 1924 se Miró připojil k surrealistické skupině. Již symbolická a poetická povaha Miróova díla, stejně jako dualita a rozpory s ním spojené, dobře zapadají do kontextu snového automatismu, který skupina zastává. Velká část Miróovy práce ztratila nepřehledný chaotický nedostatek soustředění, který dosud definoval jeho práci, a ve své práci experimentoval s koláží a procesem malování, aby odmítl rámování, které tradiční malba poskytovala. Tento antagonistický postoj k malbě se projevil, když Miró v dopise adresovaném příteli básníka Michela Leirise v roce 1924 označil jeho dílo v roce 1924 nejednoznačně jako „x“. [25] Obrazy, které vzešly z tohoto období, byly nakonec dabovány Miróovy vysněné obrazy.

Miró však předmět zcela neopustila. Navzdory surrealistickým automatickým technikám, které ve 20. letech 20. století hojně zaměstnával, skici ukazují, že jeho práce byla často výsledkem metodického postupu. Miróova práce se zřídka ponořila do neobjektivity a zachovala symbolický, schematický jazyk. To bylo možná nejvýraznější v opakování Hlava katalánského rolníka série 1924 až 1925. V roce 1926 spolupracoval s Maxem Ernstem na návrzích pro baletního impresária Sergeje Diaghileva. S pomocí Miró byl Ernst průkopníkem techniky gratulace, ve kterém jeden stěrkuje pigment na plátno a poté jej seškrábe. [26] [ Citace je zapotřebí ]

Miró se vrátil k reprezentativnější formě malby s Nizozemské interiéry z roku 1928. Obrazy pocházejí od děl Hendrika Martenszoona Sorgha a Jana Steena považovaných za reprodukce pohlednic a odhalují vliv cesty umělce na cestu do Holandska. [27] Tyto obrazy sdílejí více společného s Obdělávané pole nebo Harlekýnův karneval než u minimalistických snových obrazů vyrobených před několika lety.

Miró si vzal Pilar Juncosa v Palmě (Mallorca) 12. října 1929. Jejich dcera María Dolores Miró se narodila 17. července 1930. V roce 1931 Pierre Matisse otevřel v New Yorku uměleckou galerii. Galerie Pierra Matisse (která existovala až do Matisseovy smrti v roce 1989) se stala vlivnou součástí hnutí moderního umění v Americe. Matisse od samého začátku zastupoval Joana Miróa a uváděl jeho práci na americký trh častým vystavováním Miróova díla v New Yorku. [28] [29]

Až do vypuknutí španělské občanské války se Miró obvykle v létě vrátil do Španělska. Jakmile začala válka, nemohl se vrátit domů. Na rozdíl od mnoha svých surrealistických současníků se Miró ve své práci dříve raději držel stranou od výslovně politického komentáře. Ačkoli pocit (katalánského) nacionalismu pronikl do jeho prvních surrealistických krajin a Hlava katalánského rolníka„Teprve když ho španělská republikánská vláda pověřila malováním nástěnné malby Reaper, pro španělský republikánský pavilon na pařížské výstavě v roce 1937, že Miróova práce nabyla politicky nabitého významu. [30]

V roce 1939, když se rýsovala německá invaze do Francie, se Miró přestěhoval do Varengeville v Normandii a 20. května následujícího roku, když Němci vtrhli do Paříže, těsně uprchl do Španělska (nyní ovládaného Francisco Francem) na dobu trvání režimu Vichy. pravidlo. [31] Ve Varengeville, Palmě a Mont-roigu v letech 1940 až 1941 vytvořil Miró třiadvacet kvašových sérií Souhvězdí. Otáčející se kolem nebeské symboliky, Souhvězdí vysloužil si umělcovu chválu od Andrého Bretona, který o sedmnáct let později napsal řadu básní, pojmenovaných podle Miróovy série a inspirovaných jejími díly. [32] Rysy této práce odhalily měnící se zaměření na témata žen, ptáků a Měsíce, která by dominovala jeho ikonografii po velkou část zbytku jeho kariéry.

Shuzo Takiguchi vydal první monografii o Miró v roce 1940. V letech 1948–49 Miró žil v Barceloně a často navštěvoval Paříž, aby pracoval na tiskových technikách v Mourlot Studios a Atelier Lacourière. Vyvinul si blízký vztah s Fernandem Mourlotem, což mělo za následek produkci více než tisíce různých litografických vydání.

V roce 1959 André Breton požádal Miróa, aby reprezentoval Španělsko Pocta surrealismu výstava po boku Enrique Tábary, Salvadora Dalího a Eugenia Granella. Miró vytvořil sérii soch a keramiky pro zahradu nadace Maeght v Saint-Paul-de-Vence ve Francii, která byla dokončena v roce 1964.

V roce 1974 vytvořil Miró gobelín pro Světové obchodní centrum v New Yorku společně s katalánským umělcem Josepem Royem. Zpočátku odmítal dělat tapisérii, poté se řemeslu naučil od Roya a oba umělci společně vyrobili několik děl. Jeho Tapiserie Světového obchodního centra byl vystaven v budově [33] a byl jedním z nejdražších uměleckých děl ztracených během útoků z 11. září. [34] [35]

V roce 1977 Miró a Royo dokončili tapisérii, která bude vystavena v Národní galerii umění ve Washingtonu, DC. [36] [37]

V roce 1981 Miró Slunce, měsíc a jedna hvězda—Poslední přejmenování Miróovo Chicago—Byl odhalen. Tato velká, smíšená mediální socha se nachází venku v centru Chicaga v oblasti Loop, přes ulici od jiné velké veřejné sochy, Chicaga Picassa. Miró vytvořil bronzový model Slunce, měsíc a jedna hvězda v roce 1967. Maketa nyní sídlí v Milwaukee Art Museum.

Pozdní život a smrt Upravit

V roce 1979 Miró získal doktorát honoris causa z univerzity v Barceloně. Umělec, který trpěl srdečním selháním, zemřel ve svém domě v Palmě (Mallorca) 25. prosince 1983. [38] Později byl pohřben na hřbitově Montjuïc v Barceloně.

Duševní zdraví Upravit

Analýzou osobních textů napsaných Joan Miró bylo zjištěno, že během svého života zažil několik epizod deprese. [39] Svou první depresi zažil, když mu bylo 18 let v roce 1911. [40] Velká část literatury na to odkazuje, jako by to byl malý průšvih v jeho životě, i když to vypadalo, že je mnohem víc. [41] Sám Miro uvedl: „„ Byl jsem demoralizovaný a trpěl jsem vážnou depresí. Opravdu jsem onemocněl a zůstal jsem tři měsíce v posteli ‘‘. [42]

Mezi jeho duševním zdravím a obrazy je jasná souvislost, protože malování používal jako způsob, jak se vypořádat se svými epizodami deprese. Údajně ho to dokonce uklidnilo a jeho myšlenky byly méně temné. Joan Miró řekl, že bez malování se stal „velmi depresivním, ponurým a já mám‚ černé nápady ‘a já nevím, co se sebou“. [43]

Vliv jeho duševního stavu je na jeho obraze velmi dobře viditelný Karneval harlekýnů. Pokusil se v mysli vykreslit chaos, který zažil, zoufalství z toho, že chce ten chaos za sebou zanechat, a bolest kvůli tomu vytvořená. Miró zde namaloval symbol žebříku, který je po této bolesti také viditelný na mnoha dalších obrazech. Má symbolizovat útěk. [44]

Vztah mezi kreativitou a duševní nemocí je velmi dobře studován. [45] Kreativní lidé mají vyšší šance trpět maniodepresivní nemocí nebo schizofrenií a také vyšší šanci na genetický přenos. [46] Přestože víme, že Miró trpěl epizodickou depresí, není jisté, zda zažil také manické epizody, které se často říká bipolární porucha. [47]

Early fauvist Edit

Mezi jeho raná modernistická díla patří Portrét Vincenta Nubioly (1917), Siurana (cesta), Nord-Sud (1917) a Malování Toleda. Tato díla ukazují vliv Cézanna a naplňují plátno barevným povrchem a malířštějším zpracováním, než je tvrdý styl většiny jeho pozdějších děl. v Nord-Sud, literární noviny toho jména se objevují v zátiší, kompoziční prostředek běžný v kubistických skladbách, ale také odkaz na literární a avantgardní zájmy malíře. [48]

Magický realismus Upravit

Počínaje rokem 1920 vyvinul Miró velmi přesný styl, který izoloval každý prvek izolovaně a detailně a uspořádal je do promyšlené kompozice. Tyto práce, včetně Dům s palmou (1918), Akt se zrcadlem (1919), Kůň, dýmka a červený květ (1920) a Stůl - Zátiší s králíkem (1920), ukazují jasný vliv kubismu, i když omezeným způsobem, který je aplikován pouze na část předmětu. Například, Farmářova manželka (1922–23), je realistická, ale některé úseky jsou stylizované nebo deformované, například ošetření ženských nohou, které jsou zvětšené a zploštělé. [49]

Vyvrcholením tohoto stylu bylo Farma (1921–22). Venkovskou katalánskou scénu, kterou zobrazuje, umocňují avantgardní francouzské noviny uprostřed, které ukazují, že Miró vidí toto dílo transformované modernistickými teoriemi, kterým byl vystaven v Paříži. Soustředění na každý stejně důležitý prvek bylo klíčovým krokem k vygenerování obrazového znaku pro každý prvek. Pozadí je vykresleno plochě nebo vzorováno v jednoduchých oblastech, což zdůrazňuje oddělení postavy a země, což by v jeho zralém stylu bylo důležité.

Miró učinil mnoho pokusů propagovat tuto práci, ale jeho surrealističtí kolegové ji považovali za příliš realistickou a zjevně konvenční, a tak brzy přešel k vysloveně surrealističtějšímu přístupu. [50]

Raný surrealismus Upravit

V roce 1922 Miró prozkoumal abstrahovaný, silně barevný surrealismus alespoň na jednom obraze. [51] Od léta 1923 v Mont-roigu zahájil Miró klíčový soubor obrazů, kde převládají spíše abstrahované obrazové znaky než realistické reprezentace použité na farmě. v Obdělávané pole, Katalánská krajina (Lovec) a Pastorální (1923–24), tyto ploché tvary a linie (většinou černé nebo silně zbarvené) napovídají poddané, někdy dost záhadně. Pro Katalánská krajina (Lovec)„Miró představuje lovce kombinací znaků: trojúhelník pro hlavu, zakřivené linie pro knír, hranaté linie pro tělo. Tato práce je tak zakódovaná, že později Miró poskytl přesné vysvětlení použitých znaků. [52]

Surrealistický obrazový jazyk Upravit

V polovině 20. let vyvinul Miró obrazový znakový jazyk, který by byl ústřední po zbytek jeho kariéry. v Harlekýnův karneval (1924–25), je zde jasné pokračování linie začínající na Obdělávané pole. Ale v dalších pracích, jako je např Štěstí z milování mé brunety (1925) a Malování (Fratellini) (1927), v popředí je mnohem méně čísel a ty, které zůstávají, jsou zjednodušené.

Brzy poté začal Miró také svůj Španělský tanečník série děl. Tyto jednoduché koláže byly jako konceptuální protipól jeho obrazů. v Španělský tanečník (1928) spojuje korek, pírko a čepici na prázdný list papíru. [50]

Livres d'Artiste Edit

Miró vytvořil přes 250 ilustrovaných knih. [53] Tito byli známí jako „Livres d 'Artiste“. Jedno takové dílo vyšlo v roce 1974 na naléhání vdovy po francouzském básníkovi Robertu Desnosovi s názvem Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides („Sankce pekla nebo Nové Hebridy“). Byla to sada 25 litografií, pět v černé a ostatní v barvách.

V roce 2006 byla kniha vystavena v knize „Joan Miró, Illustrated Books“ ve Vero Beach Museum of Art. Jeden kritik řekl, že je to „obzvláště silný soubor, nejen pro bohaté snímky, ale také pro příběh, který stojí za vznikem knihy. Litografie jsou dlouhé, úzké vertikály, a přestože se vyznačují Miróovými známými tvary, je zde neobvyklý důraz na texturu. " Kritik pokračoval: „Okamžitě mě přitahovaly tyto čtyři tisky, emocionální svěžest, která je v kontrastu s chladnými povrchy tak velké části Miróovy práce. Jejich dojemnost je podle mě ještě větší, když si přečtete, jak vznikly. Umělec se setkal a spřátelil se s Desnosem, možná nejmilovanějším a nejvlivnějším surrealistickým spisovatelem, v roce 1925 a zanedlouho měli plány na spolupráci na livre d'artiste. Tyto plány byly pozastaveny kvůli španělské občanské válce a druhé světové válce. Odvážná Desnosova kritika posledně jmenovaného vedla k jeho uvěznění v Osvětimi a zemřel ve věku 45 let krátce po svém propuštění v roce 1945. Téměř o tři desetiletí později se Miró na návrh Desnosovy vdovy rozhodl ilustrovat básníkův rukopis. Byla to jeho první próza, která byla napsána v Maroku v roce 1922, ale zůstala nezveřejněna až do této posmrtné spolupráce. “[ Tento citát vyžaduje citaci ]

V Paříži pod vlivem básníků a spisovatelů rozvinul svůj jedinečný styl: organické formy a zploštělé obrazové roviny nakreslené ostrou linií. Miróův styl byl obecně považován za surrealistu kvůli jeho zájmu o automatismus a používání sexuálních symbolů (například ovoidů s vlnovkami z nich vycházejících). v jakémkoli uměleckém hnutí v meziválečných evropských letech. André Breton ho popsal jako „nejurrealističtějšího z nás všech“. Miró se přiznal k vytvoření jednoho ze svých nejslavnějších děl, Harlekýnův karnevalza podobných okolností:

Jak jsem vymyslel své kresby a nápady pro malování? V noci jsem přišel domů do svého pařížského studia na Rue Blomet, šel jsem spát a někdy jsem neměl večeři. Viděl jsem věci a zapsal jsem si je do sešitu. Na stropě jsem viděl tvary. [54]

Miróův surrealistický původ se vyvinul z „represe“ podobně jako všechny španělské surrealistické a magické realistické práce, zejména kvůli jeho katalánskému etniku, které bylo předmětem zvláštního pronásledování Frankovým režimem. Také Joan Miró si před odjezdem do exilu dobře uvědomoval haitské umění voodoo a kubánské náboženství Santería. To vedlo k jeho podpisovému stylu umělecké tvorby. [ Citace je zapotřebí ]

Experimentální styl Upravit

Joan Miró byl jedním z prvních umělců, kteří vyvinuli automatickou kresbu jako způsob, jak zrušit předchozí zavedené techniky v malbě, a tak spolu s André Massonem představovali počátek surrealismu jako uměleckého hnutí. Miró se však rozhodl nestát se oficiálním členem surrealistů, aby mohl svobodně experimentovat s jinými uměleckými styly, aniž by ohrozil svou pozici ve skupině. Sledoval své vlastní zájmy ve světě umění, od automatické kresby a surrealismu až po expresionismus, lyrickou abstrakci a malbu barevného pole. Čtyřrozměrná malba byla teoretickým typem malby, kterou Miró navrhl a v níž malba překračuje její dvourozměrnost a dokonce i trojrozměrnost sochařství. [ Citace je zapotřebí ] [55]

Miróův často citovaný zájem o atentát na malbu je odvozen z nechuti k buržoaznímu umění, které podle něj bylo používáno jako způsob propagace propagandy a kulturní identity mezi bohatými. Miró konkrétně reagoval na kubismus tímto způsobem, který se v době jeho citátu stal ve Francii zavedenou uměleckou formou. Je citován slovy: „Zlomím jim kytaru“, odkazující na Picassovy obrazy, se záměrem zaútočit na popularitu a přivlastnění Picassova umění politikou. [56]

Pohled na oblohu mě ohromuje. Jsem ohromen, když vidím na obrovské obloze srpek měsíce nebo slunce. Tam, na mých obrázcích, malé formy v obrovských prázdných prostorech. Prázdné prostory, prázdné horizonty, prázdné pláně - vše, co je holé, na mě vždy velmi zapůsobilo. —Joan Miró, 1958, citováno v Umělci dvacátého století v umění

V rozhovoru s autorem životopisů Walterem Erbenem Miró vyjádřil svou nechuť k uměleckým kritikům a řekl: „Více než cokoli jiného se zajímají o to, že jsou filosofové. Vytvářejí si předem vytvořený názor a pak se dívají na umělecké dílo. Malba slouží pouze jako plášť, do kterého zabalí své vyhublé filozofické systémy. “ [57]

V posledních desetiletích svého života Miró zrychlil svou práci v různých médiích a vytvořil stovky keramiky, včetně Měsíční zeď a Zeď Slunce v budově UNESCO v Paříži. Pro výstavu také vyrobil dočasné okenní obrazy (na sklo). V posledních letech svého života Miró napsal své nejradikálnější a nejméně známé myšlenky a zkoumal možnosti plynové plastiky a čtyřrozměrné malby.

Skrz 1960, Miró byl uváděný umělec v mnoha salonních show sestavených nadací Maeght, která také zahrnovala díla Marca Chagalla, Giacomettiho, Bracha, Cesara, Ubaca a Tal-Coata.

Velké retrospektivy věnované Miróovi na stáří ve městech jako New York (1972), Londýn (1972), Saint-Paul-de-Vence (1973) a Paříž (1974) byly dobrým důkazem mezinárodního uznání, které mělo v průběhu předchozího půlstoletí neustále rostly, další velké retrospektivy probíhaly posmrtně. Politické změny v jeho rodné zemi vedly v roce 1978 k první úplné výstavě jeho malířské a grafické tvorby v Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía v Madridu. V roce 1993, v roce stého výročí jeho narození, se konalo několik výstav, z nichž nejvýznamnější byly výstavy pořádané ve Fundació Joan Miró, Barcelona, ​​Muzeum moderního umění v New Yorku, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid a Galerie Lelong v Paříži. [58] V roce 2011 byla v Tate Modern v Londýně zahájena další retrospektiva, která putovala do Fundació Joan Miró a Národní galerie umění ve Washingtonu, D.C .. Joan Miró, tvorba grafiky, Fundación Joan Miró (2013). A dvě výstavy v roce 2014, Miró: Ze Země na oblohu v muzeu Albertina, a Mistrovská díla z Kunsthausu Curych, Národní centrum umění, Tokio.

Výstavy s názvem Joan Miró: Instinkt a představivost a „Miró: The Experience of Seeing“ se konaly v Denver Art Museum od 22. března do 28. června 2015 a v McNay Art Museum od 30. září 2015 do 10. ledna 2016 (v uvedeném pořadí), ukazující díla Miró v letech 1963 až 1981 , k zapůjčení od Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía v Madridu. [59] [60] [61] [62] [63]

Na jaře 2019 bylo spuštěno Muzeum moderního umění v New Yorku Joan Miró: Zrození světa. [64] Výstava potrvá do července 2019 a představuje 60 děl od počátku Miróovy kariéry včetně vlivu světových válek. Exponát představuje plátna o délce 60 stop a menší obrazy o délce 8 stop a vlivy se pohybují od kubismu po abstrakci. [65]

Miró má významný vliv na umění konce 20. století, zejména na americké abstraktní expresionistické umělce, mezi něž patří: Motherwell, Calder, Gorky, Pollock, Matta a Rothko, zatímco jeho lyrické abstrakce [66] a barevné polní malby byly jeho předchůdcem. styl umělci jako Helen Frankenthaler, Olitski a Louis a další. [67] Jeho práce také ovlivnila moderní designéry, včetně Paula Rande [68] a Lucienne Day, [69] [ samostatně publikovaný zdroj? ] a ovlivnil nedávné malíře, jako byl Julian Hatton. [70]

Jedna z fotografií Man Ray z 30. let, Miró s lanem, líčí malíře s upraveným lanem připnutým ke zdi a byl publikován v surrealistickém díle o jednom vydání Minotaure.

V roce 2002 vydal album americký perkusionista/skladatel Bobby Previte 23 souhvězdí Joan Miró na Tzadik Records. Inspirováno Miró Souhvězdí série, Previte složil sérii krátkých skladeb (žádné delší než asi 3 minuty), aby vyrovnal malou velikost Miróových obrazů. Priveteho skladby pro soubor až deseti hudebníků kritici popsali jako „nekonvenčně lehké, éterické a snové“. [71]

V roce 1954 mu byla udělena cena za tisk na Benátském bienále, v roce 1958 mezinárodní cena Guggenheim. [18] [72]

V roce 1981 městská rada Palma (Mallorca) založila Fundació Pilar a Joan Miró a Mallorca, sídlící ve čtyřech studiích, které Miró za tímto účelem daroval. [73]

V říjnu 2018 Grand Palais v Paříži otevřel největší retrospektivu věnovanou umělci do tohoto data. Výstava zahrnovala téměř 150 děl a kurátorem byl Jean Louis Prat. [74]

Dnes se Miróovy obrazy v americké aukci prodávají za 250 000 až 26 milionů USD za 17 milionů USD La Caresse des étoiles (1938) dne 6. května 2008, v té době nejvyšší částka zaplacená za jedno z jeho děl. [75] V roce 2012 Painting-Poem („le corps de ma brune puisque je l'aime comme ma chatte habillée en vert salade comme de la grêle c'est pareil“) (1925) byl prodán v Christie's London za 26,6 milionu dolarů. [76] Později téhož roku v londýnské Sotheby's, Peinture (Etoile Bleue) (1927) přinesl téměř 23,6 milionu liber s poplatky, což je více než dvojnásobek toho, za co se prodalo na pařížské aukci v roce 2007, a rekordní cena pro umělce v aukci. [77] [78] Dne 21. června 2017, práce Femme et Oiseaux (1940), jeden z jeho Souhvězdí, prodávaný v Sotheby's London za 24 571 250 GBP. [79]

„Les Fusains“: 22, rue Tourlaque, 18. pařížský obvod, kde se Miró usadil v roce 1927.


JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (20. dubna 1893 - 25. prosince 1983) byl španělský malíř, sochař a keramik narozený v Barceloně. Ačkoli je jeho práce běžně spojována se surrealismem, Miró ve své práci zcela neopustil předmět. Navzdory surrealistickým automatickým technikám, které hojně využíval, skici z jeho ateliérové ​​práce naznačují, že jeho hotové obrazy byly často výsledkem metodického postupu. Miróova práce se zřídkakdy skutečně ponořila do neobjektivity. Jeho dílo je plné symbolického, schematického uměleckého jazyka. Se surrealisty sdílel zvláštní společné rysy, nicméně Miró vyjadřoval pohrdání konvenčními malířskými metodami jako způsobem podpory buržoazní společnosti. Skvěle prohlásil „atentát na malbu“ ve prospěch narušení vizuálních prvků klasických stylů malby.

Miro odešel z Paříže do Varengeville-sur-Mer v Normandii v roce 1939 a zde vzniklo nové důležité dílo-série třiadvaceti kvašů, které se staly známými jako souhvězdí. Patří mezi umělcovy nejsložitěji postavené práce, které zkoumají myšlenky spojené s regeneračními procesy umístěnými v přírodě. Zdá se, že jeho práce je silně ovlivněna nepokoji druhé světové války a odráží křehkou a přechodnou kvalitu existence. Každý díl Constellation zobrazuje okamžik v čase, mikrokosmos života: zachycen v beztížné, pozastavené animaci. V roce 1945 byla souhvězdí propašována z Evropy na výstavu Pierra Matisse v New Yorku. Andre Breton se sérií okamžitě inspiroval a napsal, co se stane jeho závěrečnou básnickou tvorbou. V roce 1959 bylo pod vedením mistra pochoře Daniela Jacometa vyrobeno 22 z původních 23 souhvězdí kvaše do 350 balíčků pochoir.

Souhvězdí přímo inspirovalo nově se objevující americké abstraktně expresionistické malíře, kteří se v té době snažili uniknout z omezení sociálního realismu a regionalismu. Kromě toho je Miroův vliv na moderní umění nepopiratelný. Umělečtí mistři jako Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Roberto Matta a Mark Rothko jej citují jako inspirativní. Byl to snad americký malíř Robert Motherwell, který nejživěji vyjádřil své názory na důležitost Miró a jeho díla: „Na Miró se mi líbí všechno-jeho jasná tvář, jeho skromnost, ironicky uzavřená zdrženlivost jako člověka, jeho neustálá tvrdá práce, jeho středomořská citlivost a další vlastnosti, které se projevují v neustále rostoucím množství práce, která je pro mě tím nejpohyblivějším a nejkrásnějším, co se v Evropě v současnosti vyrábí. Citlivá rovnováha mezi přírodou a tvorbou člověka, téměř ztracená v současném umění, nasycuje Miróovo umění, takže jeho dílo, tak originální, že jen málokdo má představu o tom, jak je originální, nás okamžitě zasáhne do hloubky “


Životopis Joan Miro

Malíř Joan Miró se narodil v Barceloně v roce 1893 a zemřel na Mallorce v roce 1983. Produkoval díla v různých stylech a za použití široké škály materiálů, ale většina z nich měla surrealistickou příchuť. Tak se na něj nejlépe vzpomíná, i když dával přednost tomu, aby jeho díla byla individualistická a nespadala nutně do žádné konkrétní kategorie.

Již na základní škole projevoval ranou vášeň pro umění a navštěvoval kurzy kreslení. V roce 1907 se zapsal na školu průmyslových a výtvarných umění (Llotja) v Barceloně a studoval zde až do roku 1910. V roce 1912 se Miró vzpamatovával ze záchvatu tyfu a rozhodl se, že chce následovat svou lásku k malování a ne kariéru v účetnictví, které se pokoušel pronásledovat. Strávil 3 roky na umělecké škole vedené Francescem Galím a studoval životní umění na Cercle Artístic de Sant Lluc. Jeho první one man výstava byla v roce 1918 a jeho díla vykazovala řadu vlivů. Patřily mezi ně zářivé barvy fauvismu, kubistické tvary, katalánské umění a římské fresky.

Miró ’s Woman, Bird, Star (Pocta Pablovi Picassovi)

V roce 1920 poprvé navštívil Paříž a setkal se s Picassem. To je pravděpodobně jeden z hlavních důvodů, proč se jeho styl po tomto bodě změnil a Miró se začal soustředit na surrealističtější obrazy. Rozhodl se přestěhovat do Paříže a uspořádal zde svou první samostatnou výstavu v roce 1921. Svůj čas rozdělil mezi Španělsko a Francii a setkal se a pracoval po boku mnoha tehdejších surrealistických umělců a básníků. Během této doby patřil Ernest Hemingway mezi zákazníky Miró. Koupil si obraz, který mísil kubismus se surrealismem „Farma“. V roce 1926 byl Miró a jeho přítel Max Ernst pověřeni návrhem scén a kostýmů pro balet „Romeo a Julie“, který v Paříži hráli Ballets Russes.

V této době se Miró začal zajímat také o koláže objektů. Jako první vytvořil „španělského tanečníka“. Na chvíli se vzdálil od malování a soustředil se na sochy. Experimentoval však také s celou řadou dalších uměleckých forem, včetně litografie, rytiny a malby přes měď. Oženil se v roce 1929 a jeho dcera se narodila následující rok. Miró se poté rozhodl strávit více času ve Španělsku, dokud ho vypuknutí španělské občanské války donutilo přestěhovat rodinu zpět do Paříže v roce 1936. Zůstali tam až do roku 1940, kdy se přestěhovali zpět do Španělska. Miró se dál učil o různých materiálech a typech umění a experimentoval s nimi, ale soustředil se na své keramické dílo.

Miró ’s The Farm

Na konci padesátých let začala Miró vyrábět díla na zakázku, zejména nástěnné malby a velké venkovní sochy pro místa po celém světě. V roce 1972 byla uvedena do provozu budova Fundació Joan Miró, Centre d ’Estudis d ’ Art Contemporani (Nadace Joan Miró, Centrum pro studium současného umění). Pro veřejnost byl otevřen v roce 1975 a je v něm největší sbírka Miróových děl. Toto je zdaleka největší sbírka na světě, není překvapením, protože drtivou většinu kusů sám Daró před smrtí daroval. Obsahuje 240 obrazů, 175 soch, 9 textilií, 4 keramiky, téměř kompletní grafické práce a kolem 8 000 kreseb. Další příklady Miróovy práce lze nalézt v muzeích a místech po celém světě.


Joan Miró - Životopis a dědictví

Joan Miró se narodil ve Španělsku v roce 1893 v rodině řemeslníků. Jeho otec Miguel byl hodinář a zlatník, zatímco jeho matka byla dcerou truhláře. V souladu s uměleckým řemeslem své rodiny projevoval Miró už v raném věku silnou lásku ke kresbě, která nebyla nijak zvlášť nakloněna akademikům. Řekl, že je „velmi chudý student. Tichý, spíše mlčenlivý a snílek“.

V roce 1907, když mu bylo čtrnáct, Miró začal studovat krajinářské a dekorativní umění na škole průmyslových a výtvarných umění (Llotja) v Barceloně. Současně na příkaz rodičů, kteří chtěli, aby se věnoval praktičtější kariéře, navštěvoval obchodní školu. Začal pracovat jako úředník a kvůli neustálým požadavkům na studium zažil to, co bylo charakterizováno jako nervové zhroucení, po němž následoval vážný případ tyfu. Jeho rodina koupila Montroig, farmu na venkově mimo Barcelonu, jako místo, kde se Miró mohl vzpamatovat, a jak se zotavil, plně se věnoval tvorbě umění a upustil od svých komerčních aktivit.

Počáteční školení

V roce 1912 se Miró zapsal na uměleckou akademii v Barceloně, kde se dozvěděl o hnutí moderního umění a současných katalánských básnících. Poezie na něj měla mít celoživotní vliv, jak později řekl: „Nerobím rozdíl mezi malbou a poezií“, přičemž jeho práci považovat za implicitně metaforickou, evokující podobnost s objektivní realitou, a přitom zůstat mimo ni. V rámci studií nechal jeho učitel Francisco Galí mladého umělce kreslit hmatem, někdy se zavázanýma očima, aby podpořil prostorové chápání předmětů a spoléhal na intuici. Miró se také spojil s Cercle Artístic de Sant Lluc, uměleckou skupinou, která mezi své členy zahrnula renomovaného architekta Antoni Gaudího. Mezi lety 1912 a 1920 maloval Miró zátiší, portréty, akty a krajiny, a to stylem, který někteří učenci přezdívali katalánský fauvismus. Ovlivněn Vincentem van Goghem, Paulem Cézannem a odvážnými, jasnými barvami francouzských malířů Fauve také čerpal ze svých katalánských kořenů a nazýval se „mezinárodním Kataláncem“.

Zralé období

Miróova první samostatná přehlídka v Barceloně v roce 1918 byla úplná katastrofa, jeho díla byla zesměšňována kritiky i veřejností a neprodalo se ani jedno dílo. Naprosto zklamaný a hledající osvěžující a vnímavější umělecký svět odešel v roce 1920 do Paříže, kde se setkal s řadou umělců, včetně Maxe Jacoba, Pabla Picassa, Andrého Massona a Tristana Tzary. Malovat však dokázal až o tři a půl měsíce později, když odešel domů na farmu Montroig se slovy: „Okamžitě jsem se pustil do malování tak, jak se děti rozplakaly“. Následující desetiletí, aby udržel rovnováhu mezi svou katalánskou inspirací a pařížským uměleckým světem, následně začal část roku žít v Paříži, přičemž se každé léto vracel do Montroigu, jak řekl: „Paříž a venkov, dokud nezemřu . " Kvůli finančním těžkostem byl jeho život v Paříži zpočátku těžký. Později, když popisoval tato hubená, raná léta, vtipkoval: „Jak jsem vymyslel své kresby a své nápady na malování? No, přišel jsem v noci domů do svého pařížského ateliéru na Rue Blomet, šel jsem spát a někdy jsem neměl večeři. " Přesto to vypadá, že fyzická deprivace oživila představivost mladého Miró. „Viděl jsem věci,“ vysvětlil, „a zapsal jsem si je do sešitu. Viděl jsem tvary na stropě.“

Měl svou první samostatnou výstavu v Paříži v roce 1921 a vystavoval na Salon d'Automne v roce 1922, přičemž se stýkal s mnoha předními dadaistickými a surrealistickými umělci. Spřátelil se se surrealistickým spisovatelem a vůdcem Andrém Bretonem a vytvořil vztah, který trval mnoho let. Surrealisté byli nejaktivnější v Paříži během dvacátých let minulého století, když formálně spojili své síly v roce 1924 s vydáním jejich surrealistického manifestu. Jejich členové v čele s Bretonem prosazovali „čistý psychický automatismus“, což je koncept, ke kterému Miró pociťoval spříznění s vlastní historií nevědomého kreslení prostřednictvím dotyků a intuice. Zúčastnil se první surrealistické výstavy v roce 1925, ačkoli, jak poznamenal historik umění Stanley Meisler, „vytrvale odmítal podepsat jakýkoli surrealistický manifest, zejména ty, které vychvalovaly„ psychický automatismus “. Jednoduše odmítl věřit, že by jakýkoli obraz mohl přijít jako ze snu. “ Jeho stále více biomorfní, záhadné a inovativní umění, jak je vidět v Harlekýnův karneval (1924-25), dílo, které řekl, že namaloval „halucinací hladu“, bylo také pečlivě naplánováno, nejprve složeno na pozadí mřížky. Současně také zkoumal blízké abstraktní zpracování, když své biomorfní formy zjednodušil na schematické tvary, obrazová znamení a vizuální gesta, jak je vidět na jeho Malování (1927), kde jsou na prázdném modrém pozadí zobrazeny tři nejednoznačné tvary a schematické linie.

Miró se oženil s Pilar Juncosou v roce 1929 a jejich jediné dítě Dolores se narodilo v roce 1931. Když se jeho umění začalo vystavovat a prodávat ve Francii i ve Spojených státech, jeho kariéra začala vzkvétat, ačkoli jakákoli ekonomická stabilita byla omezena efekty globální deprese. V roce 1932 se přestali živit svou rodinu v Paříži a přestěhovali se do Barcelony. Následovaly roky narušení, protože v roce 1936 byl při návštěvě Paříže uvězněn se svou rodinou, nemohl se vrátit do Španělska, kde vypukla občanská válka. V roce 1939 uprchl do Normandie, protože hrozila německá invaze, a v roce 1941 na Mallorcu, kde řekl: „Byl jsem velmi pesimistický. Cítil jsem, že je vše ztraceno.“ Obrátil se k malování drobných děl na papír, které pojmenoval Souhvězdí (1939-41), o kterém řekl: „Když jsem maloval Souhvězdí Měl jsem skutečný pocit, že pracuji tajně. Ale bylo to pro mě osvobození. Přestal jsem myslet na všechnu tu tragédii kolem sebe. “

Ironií je, že zatímco se Miró schovával na Mallorce a používal příjmení své ženy, aby unikl pozornosti Francovy vlády, dostal s velkým ohlasem svou první retrospektivu v newyorském Muzeu moderního umění. Když bezprostředně po skončení války Souhvězdí byl také ukázán v New Yorku, jeho proslulost v Americe stále rostla, což si vyžádalo rozsáhlou nástěnnou komisi v Cincinnati v roce 1947. Miróovy zjednodušené formy a jeho celoživotní impuls k experimentování inspirovaly generaci amerických abstraktních expresionistů, jejichž důraz na non- reprezentační umění signalizovalo zásadní posun v umělecké produkci v USA i v Evropě. Navzdory ohlasu svých obrazů pokračoval ve zkoumání nových médií, ve spolupráci s Josephem Llorensem Artigasem a v sochařství v polovině čtyřicátých let 20. století.

V padesátých letech začal Miró opět dělit svůj čas mezi Španělsko a Francii. Velká výstava jeho děl se konala v Gallerie Maeght v Paříži a následně v Pierre Matisse Gallery v New Yorku v roce 1953. V letech 1954-58 však pracoval téměř výhradně na grafice a keramice, včetně dvou keramických nástěnných maleb pro UNESCO budova v Paříži. V roce 1959 se spolu se Salvadorem Dalím, Enrique Tabarou a Eugeniem Granellem zúčastnili Pocta surrealismu, výstava ve Španělsku pořádaná André Bretonem. Šedesátá léta byla pro Miró plodným a dobrodružným obdobím, když maloval velký abstraktní triptych Bleu (1961) a intenzivně pracoval v sochařství, v některých případech se vrátil a reinterpretoval některá ze svých starších děl. I když nikdy nezměnil podstatu svého stylu, jeho pozdější tvorba je považována za vyzrálejší, destilovanou a tvarově vytříbenější.

Pozdní období a smrt

Jak Miró stárl, nadále dostával mnoho ocenění a veřejných zakázek. Pokračoval v cestě novými směry a řekl: „To, co mě zajímá, jsou mladí lidé, a ne stará doda. Pokud budu pokračovat v práci, bude to pro rok 2000 a pro lidi zítřka.“ V roce 1974 byl pověřen vytvořením gobelínu pro newyorské World Trade Center, což dokazuje jeho úspěchy mezinárodně uznávaného umělce a také jeho místo v populární kultuře. Získal čestný titul na univerzitě v Barceloně v roce 1979. Miró zemřel ve svém domě v roce 1983, rok po dokončení Žena a pták, velká veřejná socha pro město Barcelona. Práce byla v jistém smyslu vrcholem plodné kariéry, která byla tak hluboce nedílnou součástí rozvoje moderního umění.

Dědictví Joan Miró

Miró kdysi skvěle prohlásil: „Chci zavraždit malbu“. Spolu s dalšími dadaistickými a surrealistickými umělci jako Jean Arp a Yves Tanguy prozkoumal možnost vytvoření zcela nové vizuální slovní zásoby pro umění, které by mohlo existovat mimo objektivní svět, aniž by se z něj oddělil. Jeho jedinečný umělecký idiom často používal biomorfní formy, které zůstávaly v mezích objektivity, a zároveň byly formami čisté invence. Expresivní a naplněné významem jejich vzájemným porovnáním s jinými formami a umělcovým používáním barev se staly stále více abstraktními obrazovými znaky. Jeho zkoumání všech médií a inovativních technik dalo jeho práci výhodu - současně, novou, ale okamžitě rozpoznatelnou jako Miró.

To, co kritik umění Ryan Steadman nazval Miróovou „osobní formou abstrakce“, bylo určujícím vlivem na jeho dlouholetého blízkého přítele Alexandra Caldera a na abstraktních expresionistů Jacksona Pollocka, Roberta Motherwella, Arshile Gorkého a Williama Baziotesa a také na malíře barevného pole Marka Rothko a Barnett Newman. Helen Frankenthaler také připsal Miró vliv na vývoj jejího post-malířského stylu abstrakce. V poslední době jeho práce ovlivnila designéry Paula Rande, Lucienne Day a Juliana Hattona, stejně jako současné umělce Joshe Smitha a Chrise Martina.

Do dnešních dnů je Miróův volnoběžný umělecký projev stále generující jiskrou pro vyvíjející se umělce a umělecká hnutí.


Kritický úspěch

Mitchell, věrný postavě, kterou si vyvinula během svého dlouhého působení jako šampionka, prokázala houževnatost, kterou by její otec znevažoval jako nelichotivou, ale která mohla být zásadní pro prostředí, ve kterém působila. Mitchell pil, kouřil, přísahal a poflakoval se po barech, a přestože se nehodil pro dámu z vyšší společnosti v Chicagu, tento postoj Mitchellovi dobře posloužil: byla jednou z mála ženských členů Eighth Street Club, ikonického seskupení umělci z centra města v 50. letech v New Yorku.

První náznak kritického úspěchu přišel v roce 1957, kdy byl Mitchell uveden v ArtNews “. Vymaže sloupec obrázku. „Mitchell Paints a Picture“, napsaný prominentním kritikem Irvingem Sandlerem, profiloval umělce pro hlavní časopis.

V roce 1961 uspořádala Russell Mitchell Gallery první velkou výstavu Mitchellova díla a v roce 1972 byla uznána svou první velkou muzejní přehlídkou v Everson Museum of Art v Syracuse, NY. Brzy poté, v roce 1974, dostala show v newyorském Whitney Museum, čímž upevnila její odkaz.

Poslední desetiletí Mitchellova života pokračovalo v kritickém úspěchu. Celoživotní kuřačka Joan Mitchell zemřela v roce 1992 v Paříži ve věku 67 let na rakovinu plic.


Důležité umění Joan Miró

Statek (1920-21)

Dramaticky nakloněná obrazová rovina představuje pohled umělce masia nebo „rodinná farma“, hemžící se zvířaty, zemědělskými nástroji, rostlinami a důkazy o lidské činnosti. Miró vysvětlil: „Farma bylo resumé celého mého života v zemi. Chtěl jsem na to plátno vložit vše, co jsem na zemi miloval - od obrovského stromu po drobného šneka. “Intenzita vidění a téměř maniakální pozornost věnovaná detailům dodává dílu kvalitu eidetické paměti, překonfigurované ve snu, a předznamenává jeho pozdější surrealistickou tvorbu.

Jak napsala kritička umění Laura Cummingsová, „každá entita má na obrázku svůj vlastní autonomní prostor, zvlášť chválený, ale propojený rýmujícími se tvary“, kvůli „kvazi-kubistickému prostoru, nakloněnému vzpřímeně a pravděpodobně proto, že Miró oslavuje prosperující vzestupný růst z domova. "

Dílo ilustruje důležité inovační podpisy umělce, protože zahrnuje různé abstrahované prvky, jako je černý kruh, kde uprostřed stoupá eukalyptový strom, symboly jako dva žebříky, jeden s kozou stojící nahoře a druhý s kohoutem. Kromě toho, jak poznamenává Cummings, v „jeho novém způsobu malování. a napsané na jeho povrchu. Farma je obraz i báseň. "

Umělec považoval toto dílo za své nejdůležitější, což znamenalo zlom. Přestože práce odráží řadu vlivů, včetně katalánského lidového umění, románského smyslu pro hierarchii, kde měřítko odráží důležitost, a kubistické slovní zásoby, odolala ustálení ve stylu, který je příkladem neklidného a ikonoklastického přístupu umělce.

Po dokončení práce se Miró snažil najít kupce na pařížském trhu moderního umění, který dával přednost kubismu. Jeden prodejce pro snazší prodej navrhl rozřezat jej na několik menších obrazů. Naštěstí se umělec spřátelil se spisovatelem Ernestem Hemingwayem, tehdy bojujícím neznámým, a po hodinách práce se tito dva setkali na boxu, aby si odpočinuli. Hemingway byl rozhodnut koupit Farma a poté, co si půjčil peníze a pracoval jako prodavač v potravinách, si je mohl koupit a ponechal si je po celý život. Jak napsal: „Nevyměnil bych to za žádný obrázek na světě. Je v něm všechno, co ke Španělsku cítíte, když jste tam, a všechno, co cítíte, když jste pryč a nemůžete tam jít.“

Harlekýnův karneval (1924-1925)

Tento obraz líčí slavnostní a přeplněnou scénu, kde se zdá, že quixotické biomorfy jsou zachyceny živou oslavou. Každá forma evokuje podobnosti a odmítá je, protože ve středu vlevo je harlekýn identifikovaný černobílými kontrolami italského kostýmu commedia dell'arteStock postava, má tělo ve tvaru pokřivené kytary. Kočka vpravo dole stojí na zadních nohách, jako by tančila, její „paže“ se držely scény, zatímco její červená a žlutá tvář se otáčela a hleděla na diváka. Na stole leží žlutá a černá ryba, vlevo z žebříku vyrůstá ucho a oko, na zdi se objevují noty, uprostřed se kříží černobílé hadovité trubice a mnoho forem je spojených tenkými posouvající se čáry, zatímco černé a žluté stvoření tančící ve spodní části uchopí nit, která sahá až k kočičím vousům. Divák je chycen v tomto imaginárním světě, fascinován nesouladem mezi identifikací a významem.

Toto dílo, které bylo raným příkladem obratu umělce k surrealismu, také propagovalo jeho používání biomorfních forem, protože většina předmětů evokuje živé organismy. Vysvětlil některé symbolické významy obrazu tím, že černý trojúhelník symbolizoval Eiffelovu věž a žebřík stál jak pro převýšení, tak pro úniky. Přesto sloučení a splynutí forem převrací jistoty vědomého světa, včetně těch uměleckých, jak umělec řekl: „Zajímá mě jen anonymní umění, takové, které pramení z kolektivního nevědomí“. Miró se nikdy nechtěl usadit v konkrétním uměleckém stylu a snažil se převrátit estetickou hierarchii. V této práci vytvořil svůj vlastní obrazový idiom. Jak napsala kritička umění Laura Cummingsová: „Když Miró zemřel v roce 1983, ve věku 90 let, byl dlouho považován za poslední z modernistických hvězd. Jeho obrazový jazyk byl jedinečný, okamžitě rozpoznatelný a - zcela správně - již nebyl vnímán jako nějaký katalánský dialekt surrealismu. “

Pes štěká na Měsíci (1926)

V rezervní krajině, která je surrealistická i vtipně kreslená, rozdělená mezi bohatou čokoládovou zemi a černou noční oblohu, štěká náladově zkreslený pes, vyobrazený v jasných barvách, na Měsíc nad sebou. Vlevo se k obloze rozprostírá žebřík, znázorněný bílo -žlutě s červenými příčkami. Deformace měsíce a psa spolu s nepravděpodobností žebříku vytvářejí pocit hry, kde všechno je a není co se zdá, zatímco bílá, červená a žlutá, použitá pro tyto čtyři formy, vytváří mezi nimi tajemný pocit spojení.

Jak napsala kritička umění Laura Cummingsová: „Na zemi vícebarevný tvor s něčím jako tlapky a čelisti štěká na Měsíc se vší energií implicitně v jeho pevně odpružené formě. Měsíc není vůči tomuto absurdnímu zobrazení zcela imunní: má malované srdce. Ale také nosí satirický červený nos. “ Přesto obrovský prostor vyplněný tmavým pozadím také evokuje pocit hluboké osamělosti a tajemství, jak napsala kritička umění Judith Flandersová: „V celé své kráse v dílech jako Pes štěká na Měsíc"vytvořil tajemně plovoucí neukotvený svět, kde se jeho standardní lexikon symbolů - zde žebřík symbolizující nejen individualitu a útěk, ale také marnost a východ do prázdnoty smrti - stal silným."

V období před tímto dílem umělec někdy začínal do svých obrazů vkládat slova, čímž vytvořil to, co nazýval „malováním básní“. Původní skica obsahovala reakci měsíce na psa v katalánštině: „Víš, je mi to jedno.“ Ačkoli Miró vynechal text z obrazu, zůstává pocit implicitní komunikace, vytvořený psím naléháním, zvedáním jeho těla neslyšeným hlasem a Měsícem, vizuálně, jako by se odvracel odmítnutím. Jak poznamenal Cummings, dílo slavné „jako dílo surrealismu. Bylo stejně interpretováno jako osobní manifest. Zde je mladý umělec jako štěně, který se snaží najít svůj hlas v mezinárodní avantgardě. Krásný žebřík proto musí být jeho umění, jímž vystoupí. “


Podívejte se na video: Milenci a levobočkové Rudolfa II. - Dokument cz (Smět 2022).


Komentáře:

  1. Yozshujind

    I apologise, but, in my opinion, you commit an error. Pojďme o tom diskutovat. Napište mi v PM, budeme komunikovat.

  2. Perry

    Špatná kvalita, ale můžete vidět

  3. Doule

    Myslím, že se mýlíš. Zadejte, budeme o tom diskutovat. Napište mi v PM, budeme to zvládnout.

  4. Porfirio

    some kind of strange communication turns out ..

  5. Age

    Bravo, your thought is great



Napište zprávu